Музыкальная рубрика


Вы здесь: Авторские колонки FantLab.ru > Рубрика «Музыкальная рубрика» облако тэгов
Поиск статьи в этом блоге:
   расширенный поиск »

  

Музыкальная рубрика


Модераторы рубрики: Paf, geralt9999

Авторы рубрики: Мэлькор, Paf, wayfarer, Sfumato, Fadvan, kon28, Blaine, Thunder, Dragn, Metternix, Вареный, Icipher, Felicitas, iXaOs, пан Туман, NHTMN, Volot, atgrin, necrotigr, Saneshka, geralt9999, fox_mulder, mcallen, Silvester, Evil Writer, Securitron, Roland23



Страницы:  1  2  3  4  5  6  7  8  9  10  11  12 [13] 14  15

Статья написана 22 февраля 2011 г. 22:46

Приходит время, и все великие группы распадаются (легенды уходят...) – закон природы. И тут ничего не поделаешь…

Подобная участь постигла и Genesis. Когда-то (в далёком 1975 году), команду покинул Питер Гэбриэл. Точно не знаю, многие ли в то время поговаривали о преждевременной кончине оригинальной и необычной группы... Хотя, это совершенно не важно сейчас. Не важно по причине того, что тогда всё разрешилось более чем удачно – долгие поиски вокалиста (утомительные кастинговые прослушивания) увенчались тем, что новым лидером Genesis стал Фил Коллинз — ударник, который тогда уже пять лет отыграл в группе (искали вокалиста чёрт знает где, а он, как оказалось, всё время был рядом). Петь — это не была его цель, он просто решил попытаться. Лучшего варианта и быть не могло — Jackpot был сорван.

Гэбриэл – великий импровизатор, шоу-мейкер, умеющий развлекать публику и забавно заполнять паузы во время концертов, супер-вокалист (с достаточно необычным голосом). Фил тоже был (и есть) очень харизматичным человеком и не уступал Питеру ни в чём (в последующий, более чем успешный, преиод творчества группы). Да, некоторые говорят, что его вокал был слишком резким, пронзительным, что он превратил Genesis в поп-арт-роковый проект – это правда. Но! Одновременно с этим, у него был и очень сильный, запоминающийся голос, а изменения в музыке группы не привели к каким-либо ужасным последствиям. Коллинз – уникум. Его вокал мог превратить даже самую посредственную песню в настоящий хит – он добавлял не просто изюминку, а целую тонну различного вида ягод на любой вкус.

Но и времена Фила в Genesis, к огромному сожалению, подошли к концу. И тогда уже серьёзно заговорили о музыкальной кончине коллектива.

И только два человека не спешили хоронить Genesis — это Майк Резерфорд и Энтони Бэнкс.

1996 год – Майк и Тони решают возродить, вывести из спячки (или даже из комы) проект Genesis. Я не очень уверен в правильности этого решения. Причина очевидна – у помпезного сооружения отсутствует фундамент. Возможно, им просто необходимо было создать новую группу (с новым названием)... Ибо, Genesis без Коллинза — не Genesis. Да, эти двое тоже достаточно талантливы (и доказали это своими сольными работами), но дать повторную жизнь такой легенде… ох, это дело не простое. И тем не менее, это случилось. Но возник вопрос — была ли это именно та легенда?

В группу приглашены два ударника. Это — Ник Д’Вирджилио, который отличался мягкой техникой игры и Нир Зидкьяху, который играл, как мне показалось, рвано и коряво (не говорю, что это плохо, но для Genesis такая манера, уж точно, не подходит). И, самое главное, новый вокалист — Рэй Уилсон. Это не Коллинз и не Гэбриэл. Но отлично петь он, без сомнения, умеет.

Уилсон, Бэнкс, Резерфорд
Уилсон, Бэнкс, Резерфорд

К приходу Рэя, музыкальный материал для новой пластинки был уже практически готов, но Тони и Майк решили вовлечь Уилсона в дорабодку. В результате, на последней странице буклета Уилсон значится соавтором треков номер 5, 9 и 10.

Что интересно в альбоме «Calling All Stations» (запись проходила с января по июнь) — одновременно с новым звучанием, слышен такой знакомый саунд Genesis 80-х годов. Думаю, причиной тому послужили классические клавишные проигрыши Тони и лёгкая манера игры на гитаре Майка, которая дополнялась резкими и запоминающимися аккордами.

Диск имел достаточно неплохой успех в Европе, но в США с треском провалился (даже концертный тур пришлось там отменить). Но отметим, что и на европейских концертных площадках Genesis встречали без особых эмоций – оно и понятно. Посему, Резерфорд и Бэнкс (ветераны группы — играют там с 1967-го года) решили заморозить проект на неопределенное время и расстались с Рэем. Потом, Уилсон вспоминал, что ему не понравилось то, как его отстранили от работы и что, по правде говоря, он всегда чувствовал себя в коллективе как «бедный родственник», который сосуществует с богачами.

Теперь, ближе к самому альбому:

«Calling All Stations» — начинается с мощного гитарного проигрыша. Вокал Уилсона очень хорош и гармонично сочетается с музыкой, которая становится чуть более мягкой с фоновыми завываниями гитары. Рэй поёт достаточно пафосно, в гармоничном сочетании с гитарой Майка и клавишами Тони (порой, его игра напоминает манеру в «Mama», с давящей атмосферой). Плюс ко всему, отметим ритм-секцию. Далее, надрывистое пение (порой кажется, что слова возносятся к небесам). Однако, впечатление чуть подпортило какое-то недоработанное звучание. Хотя, рассматривая песню как целое, достаточно хорошо.

Смысл песни – размышления о том, что было упущено в жизни.

«Congo» — африканские мотивы и мощные гитарные аккорды Резерфорда, вступает Рэй, затем – замечательный припев и смягчение общего мотива звучания музыки (но только временное). Хорошая вещь, но проста как 2х2 (хотя, не думаю, что это недостаток).

Смысл – кризис в отношениях мужчины и женщины, которые поднадоели друг другу (тут Энтони и Майк, когда писали стихи, не стали «изобретать велосипед»). Главный герой (от имени которого исходит текст песни) просит свою девушку, чтобы та отправила его в Конго и поняла, что он ей действительно нужен.

На съёмках клипа "Congo"
На съёмках клипа "Congo"

«Shipwrecked». Отличное мелодичное вступление (которое будет являться и основным мотивом). Эта грустная вещь просто дышит мелодикой и чувственностью.

Тематика – разбитые надежды, любовь и одиночество.

«Alien Afternoon». Я бы сказал, начало песни стильное: «ленивые» ударные, классный однотипный бас (ноты ярко выделяются) и чуть надменный вокал. Это продолжается практически всё время и начинает откровенно надоедать (ты теряешь нить и перестаёшь чувствовать песню). Далее, фирменные долгие завывания гитары Майка и «эластичный» вокал – это добавляет цвета, но не спасает ситуацию.

Идея этой песни напомнила мне тематику «Driving The Last Spike» – человек покинул дом и семью. Теперь он страдает, тоскует и чувствует, что может лишиться рассудка от своих переживаний.

«Not About Us» – одна из лучших вещей на диске. Лёгкое звучание акустической гитары, воздушно-тяжёлый вокал, затем — мощные аккорды электро-гитары и утяжеление ритм-секции. Приятная песня.

Тут поётся о том, что между мужчиной и женщиной могут быть проблемы, но просто необходимо уметь переступить через них. Но если посмотреть клип на эту песню, то её смысл оказывается более глубоким — тяжёлая для восприятия композиция о слепом человеческом безразличии. Не понимаю, как можно было сделать так, чтобы песня (её текст) и снятое видео так тематически разнились. Хотя, пожалуй, это к лучшему.

«If That’s What You Need». Эта вещь напомнила мне классический саунд Genesis (период Коллинза). Кажется, эта песня вытянула большую часть мелодики из предыдущего трека и сделала звучание ещё более мягким и воздушным . Потрясающе – у меня мурашки бегают от этой музыки. Композиция пропитана гармонией. «If That’s What You Need» – один из лучших примеров великолепных композиторских способностей Бэнкса и Резерфорда. Моя любимая песня из этого альбома.

Текст песни (тематика) — мужчина и женщина.

«The Dividing Line» ещё раз напомнила мне о том, что мой любимый Genesis никуда не делся. Да, группа изменилась, но её музыку всё ещё приятно слушать. Классный бас в начале, дополняющийся чудесными клавишами. В песне явно чувствуется отсутствие чёткой структуры, но это ощущение проходит ближе к концу.

Тут поётся о богатых и бедных. Смысл – первые не замечают вторых, пока сами ими не станут.

Следующий трек («Uncertain Weather») – опять Genesis середины 80-х. Достаточно хорошая музыка и прекрасные слова. Припев за душу взял (во многом, из-за манеры исполнения Уилсона).

Тематика – тоска по человеку, который когда-то ушёл на войну и не вернулся. Только выцветшая фотография напоминает о нём. Боль никуда не уходит…

В «Small Talk», думаю, было упущено главное. Под «главным», я подразумеваю точку звучания, когда в песне наступает некий момент и можно выкрикнуть: «Вот это да!». Тут такой момент не наступает – присутствуют только намёки на апогей. Поэтому, эта вещь, вместе с «Alien Afternoon», немного теряется среди других песен альбома. Порой, чувствуется нечто тревожное, но в душевность звучания это не переходит.

Тут опять поётся о тернистом пути взаимоотношений мужчины и женщины.

«There Must Be Some Other Way» – действительно классно. Здесь, пожалуй, всё замечательно. Особенно, меня порадовал классический клавишный проигрыш (тут он особенно хорош). А вокал Рэя (который всё набирает и набирает эмоциональную чувственность по ходу песни) и музыку, думаю, можно сравнить с рекой, впадающей в море (чудесная гармония).

Тематика – начало жизни после разрыва отношений.

«One Man’s Fool» – тоже отличная штука. Понравились ритм-секция (напомнила «Driving While You Sleep»), чуть резковатые, но мелодичные переходы (они схожи с теми, что можно услышать в песне «Domino») и, опять же, классические клавиши от Тони Бэнкса. Плюс, не стоит забывать и про манеру игры Майка -тут всё тоже идеально вписано в общую картину. Песня заканчивается достаточно ярко – ритм ускоряется, вокал тоже, как поезд, который постепенно набирает ход (отходя от платформы).

Тема песни – необходимо взвешенно подходить к тому, что ты собираешься сделать, помнить о том, что ты не один и стоит считаться с другими людьми. Все должны жить в гармонии.

Итак, что понравилось:

1) Сохранён классический музыкальный стиль Genesis, но в сочетании с новыми находками – более «жёсткий» саунд.

2) Целостность альбома (в плане звучания).

3) Приятно удивила мелодика всех песен.

4) Красивый голос Уилсона и его умение чётко подстраиваться под настроение музыки.

Не понравилось:

1) Ударные. Вроде бы, всё на уровне, но чего-то не хватает… Точнее, не чего-то, а кого-то — Фила и Томпсона.

2) Отдельные лирические песни на этом диске – и в классическом Genesis их хватало, но там они были чуть интереснее и богаче (нет того антуража и той атмосферы).

3) При прослушивании, меня не покидало ощущение, что некоторые вещи «сыроваты» и не совсем доведены до ума (будто, над музыкантами кто-то стоял и подгонял их палкой).

Но, не смотря на все недостатки, я люблю «Calling All Stations» (точнее, люблю большую его часть). Да, это не «Selling England By The Pound», не «Duke» и не «Invisible Touch». Это просто новый Genesis, который тоже стоит послушать.

Получился ли альбом реально классным? Думаю, нет. Получился ли качественный продукт? Да.

Моя оценка: 7,5/10

Песни:

Calling All Stations

If That's What You Need

The Dividing Line

There Must Be Some Other Way

Клипы:

Not About Us

Shipwrecked

Congo


Статья написана 22 февраля 2011 г. 19:26
Размещена также в авторской колонке Metternix

Немецкая готическая сцена не была бы такой влиятельной и узнаваемой без коллективов, подобных SCREAM SILENCE. Группа появилась в 1998 году и включала в себя Харди Фитинга (вокал), Хейко Вольфа (ударные), Рене Шульца (бас) и Йорга Ренневальда (гитара).

Буквально за несколько лет эта команда заняла достойное место под солнцем, каждый из альбомов группы получал восторженные отзывы, причем не только в готической среде. Так, уже дебютный «To Die For» был назван журналом Orkus «альбомом месяца». После его выхода группа отправилась в продолжительный гастрольный тур, где выступала с такими с именитыми коллегами по жанру как CHRISTIAN DEATH и DREADFUL SHADOWS.

[P HOTOSMALL3RIGHT]

Успех в концертной деятельности подвиг музыкантов вскоре записать второй альбом со скромным названием «The 2nd». Этот диск, который продюсировал сам Харди Фитинг, заставил критиков присвоить музыке SCREAM SILENCE ярлык «Готик-Рок Нового Тысячелетия», он вошел во многие европейские готик-чарты.

Число поклонников росло и SCREAM SILENCE получили место хедлайнеров знаменитого готического фестиваля Wave Gotik Treffen в Лейпциге. Однако, неожиданно для других членов команды, в начале 2002-го года о своем уходе заявили басист Рене Шульц и гитарист Йорг Ренневальд. Они решили посвятить себя сольной карьере, а оставшиеся музыканты занялись заполнением вакансий. Новыми членами SCREAM SILENCE стали участники местечковой, но относительно популярной группы SCROON Роберт Клауш (гитара) и Корнель Отто (бас).

Обычно изменения в составе влекут за собой проблемы, но свежая кровь пошла коллективу на пользу — когда годом позже на суд публики был представлен третий альбом «Seven Tears», поклонники и критики сразу же отметили, что звучание стало более эмоциональным и в то же время инновационным. Релиз вызвал бурю восторгов в готической среде, журнал «Zillo» признал его «альбомом месяца», а «Orkus» выставил десять баллов из десяти. И все это не смотря на тот факт, что лейбл Moonstorm Records, издавший альбом, практически его не продвигал и не тратился на рекламу из-за нехватки финансирования. Тем не менее, продажи «Seven Tears» в два раза превысили тираж предыдущего «The 2nd».

Довольно трудно понять что же изображено на обложке. Ответ оказался крайне неожиданным: кровь, замерзшая под морским льдом – как символ всех грехов. Это же тема находит свое отражение в текстах песен данного альбома, а музыка в свою очередь является отражением творчества коллектива DREADFUL SHADOWS, на опустевший трон которых (после распада группы) и взобрались SCREAM SILENCE. Десять хитовых, но в тоже время несколько однообразных композиций, построенных на сочетании утяжеленных гитар, мелодичных клавишных партий и чувственного вокала Харди Фишера, западают если не в душу, то уж точно в голову.

В 2003 году группа была приглашена возглавить престижный немецкий Herbstnachte Festival, проходящий в древнем замке Rabenstein. К этому событию группа подошла очень серьезно, усилив свой состав струнным дуэтом (скрипка и виолончель), а также пригласив Адама Пирсона (Adam Pearson) — гитариста легендарных THE SISTERS OF MERCY, специально прилетевшего ради этого выступления из Англии. Такой поход вполне оправдал себя и посетители фестиваля остались очень довольны выступлением SCREAM SILENCE.

В начале 2004-го по личным причинам коллектив покинул Корнель Отто, а бас-гитара перешла к Хагену Шнивойгту, бывшему участнику группы TUNES OF DAWN, который присоединился к SCREAM SILENCE.

Настало время делать более решительные шаги — отклонив предложение об издании следующего альбома на мэйджоре Columbia Records/Sony Music, члены группы решают открыть собственный лейбл Plainsong Records, чтобы дать своему творческому потенциалу размах, далекий от бизнес-клише и творческого давления. В 2004-м году музыканты записывают свой четвертый диск «Elegy», в котором критики видят еще один большой шаг в развитии группы, а после «Saviourine», вышедшего в 2005-м, никто уже не сомневается, что SCREAM SILENCE – это одна из лидирующих групп на современной Gothic Rock сцене.

Песни альбома «Saviourine» по прежнему звучат мягко, нежно и совсем чуть-чуть печально, но очень искренне. Голос вокалиста, варьирующийся от высокого до более низкого типичного готик-рокового вокала с неизбывным страданием в нем, ласкает уши и отстреливает сердца девушек стрелами Амура. Кое-где гитары потяжелели, но они все равно остаются аккуратно приглушенными, словно из-за стены, чему очень способствует выведенные вперед басы и бас-бочки, забирающие звук в такую глубину. Самыми яркими звучит пианино, которое как обычно одиночными нотами, аккуратными редкими аккордами и тонкими намеками вместе со всем остальным создает романтическую красивую картину.

Практически все песни примерно одного уровня, не достаточно хитовые, чтобы застревать в голове, но вполне годные для наслаждения красивой музыкой. В нескольких песнях звучит скрипка, делающая композиции еще более чувственными (хотя уж куда там...). Песня "Nonentity" очень похожа на известную композицию Делайла, а "The Void" отличается повышенно эстрадной мелодикой, которую хоть сейчас под клип. Альбом начинается с длинной песни, и заканчивается длинной песней, а в середине есть песня с жутко длинным названием для готик-рока, уместившееся лишь на трех строчках задней стороны буклета и на первый взгляд кажется равным ее тексту (сама она, кстати, одна из самых пронзительных). Композиционно и тематически материал предсказуем, но это лишь прибавляет ему приятного уюта при прослушивании. Песни о любви состоявшейся и почившей, продолжают трогать сердце, пусть и не так, как на пресловутом "Seven Tears". Тексты усложнены, но в целом понятны и симпатичны, а оформление скромное, радующее глаз.

Новый, 6-й по счету, студийный альбом SCREAM SILENCE «Aphelia» (от греч. «ар» — от, далеко и «helios» — Солнце) – это фейерверк превосходных песен, наполненных мелодиями невероятной красоты и лирической глубины, свободных от каких-либо «канонов» и демонстрирущих неистощимость фантазии по-настоящему опытных, зрелых и талантливых музыкантов.

Присоединение к составу в качестве постоянного участника гитариста René Gödde, долгое время исполнявшего роль сессионного музыканта на концертах, позволило раскрыться новому потенциалу и сделать студийное звучание группы более чем восхитительным. Последние месяцы SCREAM SILENCE блистали на концертах более свежим и динамичным звучанием, которое было великолепно воспринято поклонниками, и поэтому неудивительно, что песни «Aphelia», в отличие от предшествующих работ, звучат менее рафинированно и более агрессивно. Как и прежде, в них сочетаются яркие мелодии, но с добавлением альтернативных и прогрессивных элементов.

Прослушивая альбом, можно раскрыть для себя множество граней таланта музыкантов SCREAM SILENCE; на нем присутствуют и мощные клубные боевики, такие как «Kerosene» и «The Vitriol», и мрачные классические gothic rock шедевры «Harvest» и «In Every Sin», и величественные гимны «Nothingness» и «Unspoken». Не забыли музыканты и о так сильно полюбившихся слушателям любовных эпических балладах, которые представлены песней «My Eyes».

На протяжении десяти песен слушатель, находясь под тайным обаянием необычайно проникновенного и глубокого вокала Харди Фитинга, становится свидетелем раскрытия его хрупкой души. «Aphelia» рассказывает истории об отреченности, одиночестве и мечте оказаться в самых далеких краях, в которых можно никому не принадлежать и из которых никогда не захочется вернуться.

Неотъемлемой частью музыкальной концепции альбома является и его оформление. Группа намеренно отказалась от размещения текстов песен на страницах буклета, разместив вместо этого специально разработанные художественные работы, объясняющие значение каждой композиции. В них рассказывается об одинокой маленькой девочке Афелии, символе недолговечности человеческой души, путешествующей в несуществующих мирах и наконец нашедшей свой дом в самом далеком и темном из всех мест – в себе самой.

В 2008 году вышел последний, на данный момент, альбом этой группы — "Apathology". Судя по названию и обложке, на которой возможно изображён Сопор Аэтернус (!) (конечно же я не прав!), слушателей ожидает самый мрачный альбом за всю дискографию группы. Впрочем, первая композиция подтверждает мои догадки — это великолепная, берущая за душу депрессивная композиция, заставляющая на несколько минут отрешиться от бренной реальности.....

Первое полное прослушивание диска, как ни странно, восторга не вызвало — лишь еще раз удостоверился в растущем профессионализме музыкантов. Но вот с каждым последующим прослушиванием приходит понимание, что это один из лучших их альбомов (несмотря на определенные недостатки). В целом музыкальный ряд не претерпел значимых изменений — все тот же Gothic Rock c еще более потяжелевшими бочками и басом, которые все так же выдвинуты на передний план, аккуратно приглушая собой гитары. Изменения же в гитарном саунде так же минимальны и сводятся к следующему: теперь мы чаще слышим игру второго гитариста, звучание стало более жестким, депрессивным; в некоторых песнях активно используется акустика.

Теперь отмечу некоторые песни, которые могли бы поднять альбом до статуса “шедевр”, но, из-за некоторых недоработок, не оправдали ожидания.

“Above and Within” могла бы стать действительно классной песней, если бы не убийственно короткий второй куплет в одну строчку, после которого музыканты мусолят припев до конца дорожки. Ну, право же, даже как-то неприлично группе такого уровня выдавать такие вещи! Песня выезжает только за счет профессионализма.

“And This is What We Left Behind” – оригинальная полуакустическая баллада, в которой вокал Hardy Fieting’а кажется… каким-то по-настоящему немецким (несмотря на англоязычный текст)! Возможно причина в том, что в нем нет типичного оттенка “неизбывного” страдания, зачастую присущего готик-роковому стилю. Однако отсутствие какой-либо кульминации делает песню слишком ровной и однообразной. Потому и не годится она для многоразового прослушивания.

Наконец, на альбоме так имеются три довольно продолжительные композиции (почти 7 минут и более). И вроде бы это хороший признак… Но если бы только они были более разнообразными!... Даже при повторном прослушивании они кажутся чуть ли не одинаковыми. Одинаково красивыми на первых минутах и такими же вымученными по ходу и окончанию. И действительно, стандартное построение куплет-припев с монотонным вокалом и однообразными проигрышами на протяжении более пятнадцати минут (треки 10 и 11) вызывает попросту скуку.

Подведем итоги… Перед нами качественный, проработанный до мелочей альбом, лишенный однако оригинальности и местами откровенно скучный. Но пока немцы более менее успешно держат марку, и их музыка продолжает оставаться интересной, причем не только для меня. SCREAM SILENCE будет не лишним привнести свежие идеи в свое творчество, иначе оно потеряет свою ценность и актуальность и будет походить на тех же ZERAPHINE (еще одна отличная немецкая группа, но ее альбом 2010 года меня совсем не впечатлил — ничего нового по сравнению с предыдущими своими работами они не представили — поэтому переслушиваю только их первые альбомы — они наиболее интересны)


Статья написана 18 февраля 2011 г. 15:35
Размещена также в авторской колонке Fadvan

Общая информация

Neun Welten — это немецкая музыкальная группа, состоящая из пяти человек. Они играют акустическую музыку с партиями скрипки, кларнета, виолончели, и некоторых других народных инструментов, которая укладывается в стилистику dark folk. Однако их музыка не обладает характерным для дарк фолка отталкивающим трансцендентальным оттенком. Хотя темы музыки в основном меланхоличные и печальные, если и лирические, светлые композиции. Но главное, что ставит для меня группу выше почти всех её товарищей по жанру — это талант музыкантов сочинять и потрясающе отыгрывать потрясающие мелодии, которые очень трогают до глубины сердца, ласкают слух. Музыка в основном инструментальная, пение используется лишь как дополнительный компонент в некоторых песнях — на первом плане мелодии. Природа, леса, озёра, осенняя меланхолия — вот что рисуется в голове, когда вы слушаете звук Neun Welten. Музыкальный стиль состоит из дарк фолковых, мечтательных, но и игривых мотивов и классических элементов. Звук уносит зрителя в спокойную атмосферу полной гармонии и меланхолии. Название группы означает девять миров из нордической и германской мифологий.

группа

Состав:

Anja Hövelmann — recorder, clarinet

Aline Deinert — violin, piano

David Zaubitzer — acoustic guitar, cello

Marten Winter — drums, percussion

Meinolf Müller — acoustic guitar, Jew's harp

На сегодняшний день у группы два полноформатных альбома.

Vergessene Pfade ("Забытые тропинки")

Destrunken

Рецензии на альбомы

Vergessene Pfade

обложка
обложка

цитата

Просто, негромко, ненавязчиво вошли в мой мир музыканты немецкой группы Девять Миров (так переводится Neun Welten) и принесли с собой покой, гармонию и чуть-чуть красоты, отсутствие которой в последнее время остро ощущается. При всём моём настороженном отношении к такому стилю как folk, я всегда был неравнодушен к работам вечно вертевшихся вокруг да около этого жанра талантов Empyrium и Tenhi, но даже теперь, в который раз слушая "Vergessene Pfade", в первую очередь я испытываю чувство глубокого уважения к творчеству этого даровитого квинтета. Хотя я и привёл с ходу сравнение Neun Welten с другими музыкантами, на самом деле, если рассматривать их с позиции андеграунда или уж тем более метал-сцены, их работа глубоко индивидуальна. С другой стороны, чего проще было бы написать: мелодичный, акустический folk. Пожалуй, я бы отнёс этот диск даже не столько к folk, сколько к neo classic'е, и в каждой мелодии кроется некая простая извечная история, изложенная слушателю языком одной лишь музыки. Тут я немного погорячился, конечно, вы услышите вокал – по-моему, на трёх композициях, но он так тих и ненавязчив, будто это какой-то новый инструмент, вступающий в отведённое для него время и, недолго отыграв свою партию, отступающий в тень. Альбом, кроме того, ещё и концептуален, все десять дорожек, включая последнюю, концертную "Heidenacht", разбиты на три группы, каждая из которых освещает определённое повествование нордической мифологии. Например, первая трилогия посвящена истории Нибелунгов, вторая описывает нам царство подземных альвов – Свартальвхейм, а последние четыре композиции – путешествие в землю титанов Ётунхейм. Последние два сюжета, к слову, должны быть известны вдумчивым слушателям Therion :-). Как вы заметили, я вдохновлён этим релизом, это действительно так, и он идеален целиком и полностью – от живописной обложки с трогательно оформленным буклетом до самого последнего трека. Neun Welten стали для меня бесспорным образчиком естественной и чистой красоты. Они делают не просто тонкую, но и полезную работу, в которую вложена самая душа и лучшие помыслы. Это должно ценить соответственно. Да, вот что ещё, я ознакомился с официальным пресс-релизом и парой рецензий на счёт этого диска, в них музыка Neun Welten характеризовалась как dark folk. Это неверно. Конечно, они меланхоличны, возможно, мрачноваты, но "dark folk" – это не то же самое что и "мрачный folk". Не забывайте об этом.

(c) Lightbringer, http://www.metallibrary.ru

Destrunken

обложка
обложка

цитата

Sometimes — and only sometimes — it really is nice to get away from from the rampaging riff, steam train double kick and flem-flinging roar of metal that all of us here swear by. Occasionally we do like turning it down and stripping it back with something light, if not for a bit of time to hear ourselves think. Well, for the soundtrack of your thoughts you could do a lot worse than Destrunken, the follow up to 2006's Vergessene Pfade, by German folk quintet Neun Welten.

Destrunken is light, but only in the weight-related sense of the word, often taking dark, alluring steps into impending territory. Devious and gradual are the menacing turns in tracks like “Destrunken I,” like the subliminal musical theme to a dark character, with a dark purpose entering the story. Imagery is key to the effect of this band, and if a picture paints a thousand words, the well placed swoop into a minor key makes it come to life.

There are no rules here determining whether the tip-toed percussion and delicately stroked acoustic instrumentation should float gently or patter urgently. From the calming violin and cello duet of “Ewig Ruh',” to the more motioned and urgent tracks like “Destrunken II,” Neun Welten never haunt the same corridor for too long. Vocals of both genders are briefly present, but remain inconsequential, leaving the flutes and strings to tell the tale in the company of the piano, which often brings a beautiful classical tone to the sound.

With much in common with bands like Agalloch, Eluveitie and Empyrium, but with no metal to their sound at all, Neun Welten still curiously share some kind of connection with metal that can maybe be identified in how compatible and translatable tracks like “Jarknez” could be, should they ever chose to plug their instruments in.

(c) Ross Main, http://www.metalreview.com

Мой перевод:

цитата

Иногда — всего лишь иногда — действительно приятно убежать от неистовых риффов, двойной бочки и яростных рыков металла, это относится ко всем. Иногда мы предвочитаем оставить это всё в стороне и обратиться к чему-то светлому, если бы недостаток времени, чтобы услышать собственные мысли. Саундтрек для ваших мыслей вы можете сами сделать гораздо хуже, чем Destrunken, следующий за Vergessene Pfade альбом немецкого фолк-квинтета Neun Welten.

Destrunken лёгкий, именно в весовом значении этого слова, часто мрачный, как будто делаешь шаги в неизведанную территорию. Таиственное и постперенно начинающее казаться угрожающим слышится в треках Destrunken I, как подсознательная музыкальная тема к сложному характеру, или истории к плохим концом. Воображение это ключ к прочувствованию таких моментов, эта картины передают их лучше тысячи слов.Здесь нет никаких правил, что на цыпочках подступающие ударные и деликатная игра на акустике должны переходить в удары помощнее и усилению темы. Здесь есть как успокаивающий дуэт скрипки и виолончели Ewig Ruh, так и более мощные треки, такие как Destrunken II — Neun Welten никогда не увлекаются одним и тем же слишком долго. Вокал обоих полов скромен, ненавясчив, правят балом флейты и струнные в компании с пианино, которое часто добаляет прекрасное классическое звучание к гамме.

Есть довольно много общего с такими группами, как Agalloch, Eluveitie и Empyrium, только здесь нет металла вообще, и интересно в общем то, с каким ещё видом металла их ещё можно связать.


Статья написана 10 февраля 2011 г. 16:19
Размещена также в авторской колонке Sfumato

Мой перевод биографии исполнителя + размышлизмы.

Тор Люндвалл – нью-йоркский художник и музыкант (сразу уточняю, речь идет об эмбиенте). Родился в 1968 г. Живопись в своем творчестве ставит на первое место, но в данной статье речь пойдет о его музыкальной деятельности. Вкратце: рисует, сколько себя помнит; далее факультет живописи Вашингтонского Университета; оформление музыкальных обложек; выставки с начала 90-х годов. При создании полотен исходит из трех элементов: пейзаж, память, воображение. Мотивы: уход от буквального реализма, фантастические пейзажи, одинокие призрачные фигурки или группы персонажей «потустороннего» происхождения. Собственно, можно посмотреть его официальную галерею и все станет понятно. Лично мне картины по большей части нравятся, тем более живопись Тора напрямую взаимосвязана с характером его музыки. А далее музыкальная биография от первого лица.

Тор Люндвалл:

"Я пишу музыку с середины 80-х годов. Одним из моих самых первых детских воспоминаний был шум газонокосилки, резонирующий сквозь кроны деревьев, на заднем дворе у моих родителей. Это был мой первый услышанный эмбиент-саундскейп, к слову сказать. Увлечение электронным звуком у меня появилось в конце 70-х годов, когда вся Америка смотрела «Звездные войны» и появились первые электронные игры. В те годы я был слишком мал, чтобы знать о Брайане Ино, проекте Cluster и других музыкальных новаторах, которые позже стали моими героями. Так что научно-фантастические фильмы и их саундтреки были теми вещами, что захватили мое детское воображение. Тогда же у меня появился и магнитофон, в нем был встроенный радиоприемник. Я постоянно крутил ручки настройки радиостанций и мне казались весьма интересными различные шумы и странные звуки, которые слышались при каждом переходе между станциями. Я потратил много часов, записывая эти звуки, и затем использовал этот материал для собственных любительских радио-шоу. Это было намного веселее и интереснее, чем игра на пианино, которой я обучался (весьма неохотно) с 6 лет.

Моим первым синтезатором был Sequential Circuits Pro-1, инструмент, который, в конечном счете, и открыл для меня мир электронной и экспериментальной музыки. Надо сказать, электронная музыка не пользовалась особой популярностью в Америке конца 70-х и начала 80-х годов. Так что я, будучи старшеклассником, каждый раз испытывал трепет, услышав незнакомых мне инновационных исполнителей.

Я начал записывать собственный материал около 1988 года, когда брат одолжил мне свой микшерский пульт (Tascam 4-track). Я быстро изучил эту машину – она была простая, с ограниченными возможностями, но и создавала «теплый» звук. Я до сих пор предпочитаю примитивные способы записи высокотехнологичным компьютерным программам. В результате мой основной набор оборудования не особо изменился за все последующие годы.

Так же, как и в живописи, я обычно начинаю с простой идеи и начинаю ее развивать. Хотя я во всем полагаюсь на семплеры и электронику, я пытаюсь приблизиться к живому, «теплому» звучанию. Предпочитаю непосредственно создавать музыку в реальном времени и ненавижу готовые синтезаторные эффекты, использую их очень редко. Кроме того, я почувствовал запоздалое уважение к фортепьяно, и теперь этот инструмент часто используется на моих записях.

Моя музыка прошла развитие от синти-попа до более сложных и герметичных форм эмбиента, которые с трудом поддаются классификации. Я часто использую термин “ghost-ambient”, если кто-то в интервью просит описать мою музыку. Хотя я в целом ненавижу жанровые определения, этот термин все же имеет некоторый смысл по ряду причин. Многие из моих записей созданы путем семплинга, лупинга и реверба. Как результат, незапланированные звуки и голосовые фрагменты проникают в структуру композиций и создают эффект «призрачности». Говоря в целом, моя музыка интуитивная и индивидуальная. Как и моя живопись, она, в конечном счете, существует в независимом, особом мире."

------------------------------------------------------ ----------------------------------------------

Характер музыки Люндвалла практически не изменился с начала 90-х годов, с этим я вполне согласен. Его альбомы, как правило, состоят из довольно коротких композиций, до 5 минут каждая – скорее наброски, без особо сложных структур. Тем не менее, многие полюбили этот “ghost-ambient”, и я в том числе. При первом знакомстве материал может показаться однообразным, тут уж каждому свое. Люндвалл уверенно занял свою особую нишу и вылазить оттуда видимо не собирается. Уточняю – музыка или полностью инструментальная или с фрагментами «эфирного» вокала, есть и один полностью вокальный альбом. Лично меня у Люндвалла привлекают именно те вещи, о которых он сам говорит – «призрачность», несинтетический звук, пространственно-звуковые ландшафты, особое печально-урбанистическое настроение. Музыка не ориентирована на яркий эффект, она созерцательная и довольно воздушная, хотя и с включениями умеренного драматизма.

Кто пожелает ознакомиться, в первую очередь рекомендую альбом “Empty City” – очень характерный для исполнителя, в нем стилистика достигает наибольшей выразительности, на мой взгляд. А для старых ценителей – обратите внимание на новое 4-х дисковое издание “Seasons Unfold”, вышло недели две назад. Бокс представляет собой концептуальное собрание «зима/весна/лето/осень/»: переиздание трех альбомов с бонус-треками + один диск свежего материала.

Два трека с альбома "Empty City":

------------------------------------------------------ -----------------------------------------------

А вот некоторые живописные полотна Люндвалла, все холст/масло.




Статья написана 7 февраля 2011 г. 22:20

Toshinori Kondo

***

Захотелось написать музыкальную заметку. С творчеством Тошинори Кондо я относительно неплохо знаком, давно люблю этого музыканта. На русском языке его биография вроде бы еще ни разу не писалась. Так что буду первым, перевел из нескольких источников. Да и на английском информации немного, все больше непонятными японскими закорлючками. Кондо — мастер электротрубы и известный деятель международной эксперименталной сцены.

Тошинори Кондо родился 15 декабря 1948 г. в городе Имабари (остров Шикоку, Япония). В 12 лет начал изучать музыку и играл на трубе в школьной группе. В 1967 г. поступил в Университет Киото на механический факультет. В течении университетских лет у Кондо возростает интерес к джазовой музыке, его любимцами становятся Чарли Паркер, Диззи Джелеспи и Майлз Девис — они оказали заметное музыкальное влияние на раннее творчество Кондо; кроме прочего для Кондо представляли интерес и религиозные взгляды этих музыкантов. Чуть позже на Тошинори оказал влияние и фриджаз Орнетта Коулмена.

В 1972 г. Кондо заканчивает университет и обосновывается в Токио, становится профессиональным музыкантом. Примерно в это время он начинает практиковаться в Шинтайдо. Shintaido (пер."New Body Way") — уникальная система физических и артистических упражнений, возникла в Японии в 1960-е годы, ее корни лежат в традиционных бовых искусствах, китайской медицине и техниках буддийских медитаций. Система предлагает открытие человеком своих новых возможностей, трансформацию тела. Физические упражнения проводятся с голыми руками, иногда используются шест или деревянный меч. Целью практики Шинтайдо для Кондо было повышение ресурсов своего организма для длительных музыкальных выступлений, особое внимание он уделял и дыхательным упражнениям Шинтайдо. Как пишут, "малорослый японец не хотел уступать в силе и выносливости западным музыкантам".

До середины 70-х годов Кондо играет в джаз-группе барабанщика Седзи Хано, которого тоже "присадил" на Шинтайдо. Знакомится со многими американскими и европейскими музыкантами, что приезжали с выступлениями в Японию, играет совместно с ними. Далее в 1976 г. Кондо становится равноправным участником джаз-группы EEU (Evolution Ensemble Unit) а затем и трио Хано/Кондо/Осава. С 1976 г. имя Тошинори Кондо начинает фигурировать на джазовых пластинках различных коллективов.

В 1978 г. Кондо переезжает в Нью-Йорк. Здесь его музыкальная карьера начинает набирать все большие обороты. Знакомится и начинает активно выступать как трубач со многими представителями нью-йоркского музыкального андеграунда ("downtown" music scene), такими как Билл Ласуэлл, Дерек Бейли, Зина Паркинс, Джон Зорн, Эван Паркер, Хенри Кайзер, Грег Гудман, Фред Фрит и др. Совершает и европейские турне с Юджином Чедбурном и Питером Броцманом. В Нью-Йорке Кондо организовывает свой небольшой музыкальный лейбл "Bellows". Первый сольный альбом Кондо выходит в 1979 г. В 1983 г. Кондо всерьез затосковал по своей родине, Нью-Йорк ему уже надоел. Он почувствовал, что "утрачивает японский дух". И музыкант возвращается в Японию.

В Японии продолжает активную деятельность, играет с Риючи Сакамото, Казуми Ватанабе и Херби Хенкоком. В 1984 г. становится руководителем и трубачем в своей собственной группе IMA ("International Music Activities"). IMA демонстрирует, каким путем должна развиваться инновационная музыка по мнению Кондо. IMA окончательно уходит от традиционного джазового звучания, для проекта характерно использование искаженного саунда электрогитары, электрической и электронной перкуссии, футуристических компьютерных эффектов, урбанистических шумов. Концепция предполагала создание атмосферы жизни большого города, а акустическая труба Кондо должна была привносить гуманистический элемент. В некоторых композициях у Кондо становится заметно и влияние этнической японской музыки. Всего проект IMA выпустил 7 альбомов и был распущен в 1993 г.

В 1993 г. Кондо переезжает в Амстердам, где в основном живет и по сей день. В начале 90-х годов (точную дату мне установить не удалось) Кондо сам конструирует свою электротрубу (electric trumpet system) — вот начиная с этого периода его творчество меня уже всерьез интересует. В основе устройства обыкновенная акустическая труба, но воспроизведение звука идет через микрофон в реальном времени, что дает возможность значительно трансформировать звучание инструмента. Электронное оборудование, к которому подключен микрофон, представляет собой небольшой шкафчик с лампочками и кнопочками, и набор педалей-примочек. Электротруба допускает различные эффекты, такие как лупинг (looping), реверб, различые наложения звука. Теперь Кондо начинает осваивать и эмбиент-ландшафты. Диапазон инструмента достаточно широк — от достаточно близкого к акустической трубе до полностью мутантообразных звуков. Большой успех у западной публики получил альбом DJ Krush/Toshinori Kondo "Ki-Oku" (1996), а затем и альбом коллаборации Laswell/Kondo/Bernocchi "Charged" (1999). Электротруба Кондо по-прежнему создает эффект "урбанистической грусти" на любом альбоме. К собственно джазу музыка Кондо имеет уже очень отдаленное отношение, его теперь больше знают в среде внежанровой и электронной музыки. Например, альбом "Silent Melodies" (2007) представляет собой эмбиент на соло-электротрубе. Кондо продолжает активное сотрудничество с музыкантами со всего мира, участвует во множестве составов. выпускает сольные альбомы. К сожалению, некоторые альбомы выходят небольшими тиражами только в Японии, поэтому уследить за дискографией непросто. Кроме вышеупомянутых записей я бы еще отметил такие интересные альбомы как "Touchstone", "Charged Live", "Going Places...For Кeith".

С 1993 г. Кондо начинает свой проект "Blow the Earth". Концепция заключается в том, что Кондо со своей электротрубой ездит по самым экзотическим местам планеты — горы Тибета, песчаные и ледяные пустыни, различные живописные безлюдные побережья. Там садится и начинает свои музыкальные импровизиции — слушателем должна выступать сама природа. Первым альбомом проекта стал "Israel" (1993), а в последние годы выпущены еще три альбома (dvd/cd sets). Здесь полная дискография музыканта — http://homepage2.nifty.com/kondomaniacs/d...

Вот несколько видеозаписей проекта "Blow the Earth".

***

На пирамиде в Перу:

В Японии:

На Аляске:

Небольшое интервью с Тошинори Кондо:


Страницы:  1  2  3  4  5  6  7  8  9  10  11  12 [13] 14  15




  Подписка

RSS-подписка на авторскую колонку

Количество подписчиков: 123

⇑ Наверх