А история хоть и хороша, особенно в плане реализации и эмоциональной отдачи — она все-таки по меркам Моррисона вторична. Писатель встречает созданного им персонажа и за этим следует эмоциональный конфликт. Спойлерить не буду, кто знает, где это уже у него было — тот знает, а кто не знает — ну, лучше не таким образом узнавать. Тут, конечно, это только завязка истории, но все равно уж слишком это бросается в глаза. Впрочем, это не обязательно и минус (надо ж к чему-нибудь придраться), а возможно – даже и плюс, потому что Грант тут свои идеи отполировал до блеска, довел до логического их завершения, и уж теперь-то ему точно будет нелегко сказать что-то еще на эту же тему.

Ну, зато хоть персонажи безоговорочно хороши. Грант всегда умел выписывать характеры, а с его огромным опытом — ему вообще на это десяток слов требуется. Рэй Спэйс (писатель) — моральный урод, устраивающий наркотические оргии и доведший свою бывшую девушку до полного нервного срыва. Макс Номакс (его персонаж) — тоже моральный урод, преступник, которого отправили в самую страшную тюрьму в галактике. При этом понять, герой Макс или злодей — очень трудно, на этом Моррисон и выстраивает свою сюжетную линию. Практически все сцены, где эти двое вместе (а это большая часть всего комикса) — читаются почти как пародия Моррисона на самого себя, Моррисона, который обычно ищет свет даже в самой кромешной тьме.

Завязка их похождений довольно проста – Рэй – известный писатель, который не может завершить свой сценарий для киностудии в срок. Главным героем этого сценария, естественно, является Макс Номакс. Пытаясь развеяться, он и устраивает вышеупомянутые оргии (“черные мессы”, как он сам их называет). Вот только у него обнаруживают неоперабельный рак мозга, и жить ему остается всего ничего. Тут в его жизни и появляется настоящий Макс Номакс, который утверждает, что только он может спасти мир от всемогущего и очень раздраженного бога (и Рэя заодно спасти от его рака), а надо для этого всего ничего – чтобы Рэй продолжил писать свой сценарий.

Динамика их отношений – это, пожалуй, самое главное, что в комиксе есть. Моррисону тут наконец-то удается с самого начала очертить правила игры и исследовать по полной то самое взаимоотношение, которое он уже многие годы в той или иной форме исследовал – взаимоотношение творца с его творением. Эту тему он умудряется поднять практически в любой своей работе, в той или иной форме, и Annihilator в этом ряду выглядит если и не самым лучшим высказыванием, то уж точно – закрывающим и финальным. То есть, конечно, возможно Грант и придумает, что тут еще можно сказать, но вот на протяжении всего комикса есть четкое ощущение, что нечто грандиозное подходит к концу.

Моррисон, впрочем, никогда не работает так однослойно, поэтому он не просто сталкивает между собой эти две личности, но еще и внедряет интересные фаустианские мотивы. Макс изначально довольно зловеще выглядит, но особенно это становится заметно, когда в сюжет полноценно входит бывшая девушка Рэя, Луна Козма.

После этого Моррисон уже ускоряет действие до предела, и, что совершенно нехарактерно для него – по сути, пишет натуральное такое инфернальное роуд-муви (не муви, конечно, но лучше термина нету), все еще перемежая его с флэшбеками в историю Макса (которую Рэй продолжает писать). То, что научно-фантастические флэшбеки даются Моррисону с легкостью – это, конечно, совершенно не удивляет. Удивляет, что он, с такой же легкостью встроился в жанр, который, вроде бы никогда его не интересовал (исключением можно назвать We3, но это с огромной натяжкой).

Я не уверен, что верю в довольно банальный вывод, который Моррисон в итоге складывает из всех этих деталек – что люди прекрасны, именно потому, что они так беспорядочны, что хаос априори предпочтительнее порядка (неудивительный вывод для Моррисона, который на это намекал во многих своих предыдущих работах, начиная с Doom Patrol и заканчивая The Multiversity), но это вывод красиво обставленный, прекрасно исполненный (есть тут в финале один очень эффектный сюжетный поворот, который ничего вроде и не меняет, но сразу добавляет еще один слой к повествованию) и в целом – явно вывод продуманный и прочувствованный. Несмотря на свою банальность, несмотря на то, что история в целом, как я уже говорил, слишком стандартна для Моррисона – тут он делает то, что делало его лучшие работы великолепными – он добавляет человечности.

Ну и если Моррисон просто делает то, что Моррисон делает всегда (хотя, как и сказано выше – умудряясь удивлять в некоторых моментах), то Ирвинг натурально заматерел. Он и во времена Seven Soldiers был крут, хотя и страдал иногда некой статичностью. Динамизм, наверное, и сейчас не его сильнейшая черта, но зато — буйство красок. Великолепнейшие планы космоса (никогда такого в комиксах не видел еще.) Странность и определенное безумие — доведены до максимума, что очень сильно помогает комиксу, ибо Моррисон явно писал это все под Ирвинга и, например, трипы Рэя или пафосные декламации Макса, на фоне космической бездны, без него были б далеко не так эффектны. В плане работы с панелями и страницами – Ирвинг явно приближается к уровню, пока что, недосягаемых Джей Эйч Уильямса и Фрэнка Куайтли. Возможно, со временем, даже и станет с ними равным. Плюс экспрессивность — это и раньше было сильной чертой Ирвинга, но он порой заигрывался и доводил те же лица и фигуры героев до какого-то чрезмерного сюрреализма. Здесь же все напоминает грандиозную театральную постановку, что, очень актуально и довольно точно соответствует духу моррисоновского сценария.

Резюме – с одной стороны – довольно обычная и привычная история от большого мастера, с другой стороны – яркий трип в глубины его же подсознания, которое все еще полно живыми персонажами, интересными мирами, и всепоглощающей верой во все светлое и доброе, даже когда эта вера не имеет никаких под собой оснований. Ах да, еще великолепный рисунок, ради которого стоит читать этот комикс, даже если одно имя Гранта Моррисона уже вызывает отвращение.

Марк Уэйд, как всем нам хорошо известно, is evil. Я бы даже сказал – irredeemable. Начиная с этой фразы, использовавшейся для рекламы комикса, “Irredeemable” интригует. Идея – Супермен (тут зовущийся Плутонцем), которого все достало, и он решил забить на супергеройства, и начал убивать жалких людишек. Ничего особо нового вроде и нет, таких историй и с самим Кларком Кентом можно найти, но там всегда ясно – либо его контролируют враги, либо это история к основной вселенной не имеет отношения. Тут Марк делает хорошую работу, он прорабатывает причины сумасшествия Плутонца, он демонстрирует, что хрупкая психика может быть не только у обычных людей, но и у могучих героев. Даже вероятнее, что именно они рехнутся. Как тяжело слышать все, видеть все, понимать, что как бы ты не старался, сколько раз не спасал мир, всегда будут недовольные. Всегда будут те, кому мало. Всегда будут те, кто вгрызутся в тебя после малейшей ошибки. Тем более, когда ты своим взглядом можешь испепелять города – права на ошибку и отдых нет.

И все было бы хорошо, примерно шестнадцать выпусков выглядят пусть небезупречно, но интересно, и существенных проблем не найти. Но проблема в том, что уже исходя из изначального посыла – Superman gone bad – здесь очевидно, что онгоинг на таком материале делать нельзя. Это отличная идея для мини-серии, для лимитки, но никак не для онгогинга. Есть такие сюжеты, которые нельзя растягивать до бесконечности, по крайней мере, без нанесения вреда качеству. И Уэйд попал в эту ловушку, ученическую ловушку, в которую такому автору стыдно попадать. Он затянул сюжет, затянул безбожно, начал плодить сущности, и после долгого бессвязного периода, когда происходило в комиксе черт знает что, закончил его при помощи убогого полу-мета приема.

Обидно вдвойне, ведь в процессе он умудрился слить не только сюжет и Плутонца, но и всех интересных персонажей второго плана из команды Парадигма. Куча интересных героев, которым приходится бороться с обезумевшим Плутонцем, которые, само собой, в процессе начинают тихо друг друга ненавидеть… Хорошо ведь. Но если бы только все было так радужно. Во-первых, неприятное впечатление оставляет количество скелетов в шкафу у каждого. Да, понятно, что без этого материала на онгоинг не набралось бы. Но когда у каждого персонажа постоянно открываются новые тайны, это немного обесценивает прием. Плюс, из-за этих постоянных изменений, Уэйду не удается создать ни одного полностью убедительного персонажа, создавая непрерывное чувство, что это люди без личностей, надевающие маски для удобства автора.

Но все же, есть в “Irredeemable” период, когда на это не обращаешь внимания, когда Уэйд шокирует поступками Плутонца, когда кажется, что все придет к интересному завершению. Когда рисунком занимался в основном Питер Краузе, художник далеко не идеальный, но все же подходящий к стилю книги, до того как заступил Диего Баррето, криворукий до ужаса. В целом, это не тот комикс, который стоит спешить читать, несмотря на пару плюсов.

Одно из самых важных качеств для авторов, работающих над комиксами о командах супергероев – понимание того, как эта команда собственно работает. Ощущение командной динамики, правильно построенные отношения между героями, умело вплетенные в повествование конфликты. Без этого, командный комикс (книга, фильм, да что угодно, на самом деле) будет страдать качественно. Взять того же Брайана Бендиса, который потрясающе пишет про Сорвиголову. И совершенно неудобоваримо пишет про Мстителей. Один и тот же человек. Но, это, разумеется, не значит, что невозможно писать комиксы одинаково хорошо, хоть про одиночек, хоть командные. Питер Дэвид тому пример.

“X-Factor” – лучший комикс, связанный с франшизой о людях-икс. И это целиком и полностью заслуга Питера Дэвида, работающего над ним с 2005 года.

Он спокойно взял группу полузабытых персонажей, про которых он уже писал в девяностые, и создал комикс, в котором у него практически полная творческая свобода. Да, поначалу его частенько дергали, и группа была вовлечена во многие ивенты, но в последнее время это прекратилось. Даже всеобъятный AvX не затронул Мэдрокса и компанию.

Как было сказано выше, Дэвид прекрасно умеет работать с кучей персонажей, делая всех разными и интересными личностями. Тот же Мэдрокс (Множитель) – куча разных персоналий в одном человеке. Он очень редко может быть уверен, что его двойники его не подведут (как правило, со стопроцентной отдачей они работают только тогда, когда на них нападают). Человек, который не умеет принимать решения, что ему не раз на протяжении серии аукнулось. И в то же время – человек, который прямо в глаза говорит Скотту Саммерсу и Джеймсу Логану, все, что он о них думает.

Или Лейла Миллер, девочка, которая знает “всякое”. Вот, кстати, хороший пример того, как можно отрыть немало скелетов в шкафу у героя, чтобы он все равно был последовательной личностью. Все раскрытые тайны и секреты не меняют ее, лишь больше открывают.

Ну и самое замечательное, что по прошествии почти ста выпусков, Дэвиду все еще удается находить новые и интересные сюжеты. Он постоянно заигрывает с нуаром, слегка над ним издеваясь. Он постоянно делает небольшие мета-кивки, которые даже в самый мрачный момент могут улучшить настроение и создать атмосферу дружеской вечеринки, все участники которой понимают, что это всего лишь комикс. И это бывает очень полезно, ибо Питер так умело порой нагнетает мрак, буквально одной-двумя страницами, что хочется убежать и спрятаться.

Комикс не без минусов, в частности ранние, дурацкие тай-ины к Secret Invasion и Messiah Complex, после которых Дэвид немного подрастерял задор, впрочем, он смог вернуться в полную силу довольно быстро.

Из всех художников, которые работали над “X-Factor”, лучшие – Пабло Раймонди, который работал еще и над мини о Мэдроксе, предшествующей, собственно онгоингу. Он задал тон и последующими работами подтвердил, что лучше всего команда выглядит в его исполнении. Второй лучший – Валентин Де Ландро, самый одаренный технически из всех работавших над комиксом.

Как известно, Джей Майкл Стражински – большой фанат Нила Геймана. Но, несмотря на то, что он замечательный автор сам по себе, вершин Геймана ему никогда не удавалось достигнуть. Рядом с Нилом он смотрится как Билли Джоэль рядом с Дэвидом Боуи. Он тоже хорош, но масштаб не тот. И видно, что не удается ему рассказывать истории с той же легкостью, с которой их рассказывает Нил. А вот Кирону Гиллену – удается.

Упоминание Стражински здесь – не случайно. После того как он обиделся на Марвел и бросил Тора, именно Кирон подхватил тайтл и очень неплохо поработал. Вот только был он временным писателем, пока не пришел Мэтт Фракшн… Но об этой грустной истории как-нибудь потом.

Тут речь пойдет о комиксе, который можно назвать решающим для Гиллена, такие работы запоминают, они становятся классикой, даже несмотря на то, что это работа по найму. “Journey into Mystery” показывает, что Гиллен понимает главные принципы сторителлинга. Он не пытается сделать вид, что, мол, this is for real. Он рассказывает историю.

Историю про Локи Лафейсона, бога хаоса, который стал слишком предсказуемым и решил умереть. Договорившись с Хель, он не попал в ад, а переродился в образе подростка. Подростка, вольного принимать свои собственные решения. Вольного выбирать свой собственный путь. Что же он выберет? Ему не верит никто, кроме Тора. Все уверены, что это старый-“добрый” Локи, способный лишь предавать и разрушать.

Правильные комиксы про Тора и компанию, это те, в которых автор понимает, что нельзя про Тора писать, как про обычную супергероику. Писать про него должно в духе фэнтези или традиционных мифов. Гиллен это понимает, его Локи — это не только персонаж, это еще и идея. Идея-подколка в адрес его типичного изображения в комиксах. Ведь Локи – не обязательно злодей, он трикстер, о чем часто забывают. Да, в конечном счете, он ближе к злу, но он в первую очередь — бог хаоса. Бог перемен. И гилленовский Локи полностью под это определение подходит.

Большая часть сюжета выстроена на последствиях поступков Локи. Если в первых выпусках ему приходится разбираться с наследием, доставшимся от старого Локи, то ближе к концу, уже его действия совершенные в благих целях влекут за собой кучу проблем. Концовка полностью логична, но все равно разбивает сердце.

Еще один большой плюс гилленовского рана – ему удалось сделать богов larger-than-life и в тоже время очень человеческими. Это вызвано тем, что на самых пафосных богах, вроде Тора и Одина внимание не фокусируется. Локи и Лея (горничная богини Хель), да и тот же Вольстаг – намного более приземленные персонажи. Кстати, говоря о персонажах, нельзя не упомянуть тонкий и изящный стеб над дисфункциональной семейкой Бесконечных из геймановского “Sandman”. Тут они зовутся Повелителями Страха, а аналог Сна, Кошмар – один из главных антагонистов рана.

Если и есть какие-то минусы в этом ране – это дурацкий и ненужный кроссовер с New Mutants, написанный совместно с Абнеттом и Лэннингом.

Ну и очень повезло серии с художниками. Стартовав с поистине божественным артом Дуга Брейтвейта, которого смело можно равнять с Алексом Россом, только рисующим динамично, дальше на комикс заступает не менее техничный Ричард Элсон, единственным серьезным минусом которого можно назвать чересчур взрослого Локи.

Общее резюме: “Irredeemable”, несмотря на отличную изначальную идею, лучше пропустить. “Х-Factor” стоит читать всем любителям супергеройских комиксов. А “Journey into Mystery” стоит прочесть всем любителям хороших историй, без скидок и биений на жанры.

В первую очередь, “Spaceman” – это воссоединение Брайана с Эдуардо Риззо, вместе с которым он работал над своим magnum opus – “100 Bullets”. Причем, если верить Брайану – это лишь первый проект из четырех задуманных, и сам “Spaceman” – хоть и самодостаточная мини-серия, но этот мир и возможность работы в нем она не закрывает. Более того, авторы надеются сделать еще пару таких же мини-серий продолжающих/дополняющих первую.

И это очень хорошо и замечательно, в первую очередь потому, что именно проработанный мир является первым и главным достоинством этого комикса. Проще всего описать его как смесь “1984” и “451 градуса по Фаренгейту”, хоть такие сравнения и не дают полной картины. В отличии от работы Оруэлла, Большого Брата тут не наблюдается, хоть и можно предположить, что он имеется. Но роднят их эксперименты с языком. Конечно, до уровня проработки “новояза”, аззарелловские эксперименты не дотягивают, но этого и не нужно. Диалоги Брайана – традиционно сильнейшая часть его работ, он всегда демонстрирует отличное владение языком, и может считаться образцом стиля в своем направлении. Но здесь он выкручивает ручку до конца, up to eleven. Он демонстрирует язык будущего, упрощенный и примитивный, на котором говорят практически все – от бездомных детишек до прожженых копов. Лишь самые богатые/благоустроенные мира сего разговаривают на английском, как мы его знаем.

Это подводит нас к связи “Spaceman” с вышеупомянутой работой Брэдбери. Подобно мастеру Рэю, Брайан демонстрирует мир, измененный и контролируемый телевидением. Стоит сказать, что несмотря на то, что “451 градус по Фаренгейту” – книга знаковая, все-таки в ней присутствует несколько упрощенный взгляд на телевидение. Отчасти, это вызвано тем, что написана книга была слишком давно. Отчасти, виной тому излишне негативное настроение против телевидения со стороны Брэдбери. Аззарелло не старается нас убедить, что телевидение – зло, ибо такое мнение все-таки слишком узковато, тем более в наши дни. Он просто дает нам шанс взглянуть на весьма вероятное будущее, холодно и непредвзято. Предоставляет факты о мире, в котором жизни знаменитостей – это популярные реалити-шоу, и ради рейтингов – они готовы на все. А ведь это уже сейчас происходит, это не какое-то отдаленное будущее.

Наш главный герой находится в самом низу существующей социальной лестницы, ведь он астронавт, вернувший с Марса. Ах да, в будущем, астронавты – это не просто люди. Орсон (так нашего героя зовут) – продукт генетических экспериментов НАСА, созданный для того, чтобы предоставить человечству возможность исследовать просторы космоса. Однако после какой-то катастрофы, которая затронула всю землю (не уточняется, была ли это война или что-то еще), НАСА закрылась, космическую программу свернули, а Орсона и его “братьев” вернули на Землю. Конечно, места в обществе для такого прирожденного изгоя не нашлось, и он вынужден перебиваться, продавая найденный металлолом, которого после катастрофы в избытке.

Во время одной из таких вылазок, Орсон спасает от бандитов девочку по имени Тара, одну из героинь реалити-шоу “Ковчег”. Она – приемная дочка знаменитой актерской пары Марка и Эйприл, которые усыновляют тех детей, которые набрали большее количество голосов. И, это на самом деле забавная пародия на Брэда и Анджелину, но, как-то чересчур очевидная. Это одна из проблем данного комикса — немало отсылок к нынешней поп-культуре, но все они поданы слишком “в лоб”. Это не то чтобы большая проблема, но от Аззарелло ждешь большего.

А вот с чем есть проблемы вполне серьезные и ощутимые – так это с сюжетом. Отлично проработанный мир, о котором я говорил — катализатор этой проблемы. Начинается комикс, разумеется, с экспозиции, но уже в конце первого номера, сюжет начинает вроде бы закручиваться и появляется динамика. Но это впечатление обманчиво. Очень быстро Брайан увязает в “трясине” миростроения, а начиная примерно с четвертого выпуска создается отчетливое ощущение провисания. Мир достаточно интересен, чтобы на это закрыть глаза, но все-таки каково было это читать в онгоинге – не хочется и представлять. К примеру, линия полицейских, которые пытаются найти Тару – абсолютно лишняя, она не добавляет комиксу ничего. C другой стороны – есть замечательные флэшбеки о времени проведенном Орсоном и его братьями на Марсе. Там в наличии и неожиданные повороты, и динамичное развитие событий, и очень непредсказуемый и правильный финал.

Ну а главное – Риззо прекрасно рисует Марс. Нет, ну он прекрасно рисует все, потому что не умеет по другому, но Марс в его исполнении – божественный просто. Он, как ни сложно себе это представить, вырос в профессиональном плане, по сравнению даже с “100 Bullets”. Прекрасная и уместная фокусировка на разрушенных ландшафтах города. Очень умные и любопытные ракурсы, практически киношные временами. Работа с тенями, в которой Риззо практически нет равных. Яркий контраст между безжизненным Марсом и переполненной гаванью. Ну и красит его Патрисия Малвихилл, с которой он уже работал над “100 Bullets”. Взаимопонимание – идеальное, ее покраска полностью дополняет и завершает рисунок. Ну и обложки Дэйва Джонсона тоже нельзя не отметить. Один из тех художников, чей стиль мгновенно узнаваем, в то же время, он не переделывает персонажей под себя и может идеально подстроиться под основного художника. Помогает, конечно, и тот фактор, что он тоже работал вместе со всей этой веселой бандой над “100 Bullets”.

Наш главный герой, Флекс Менталло, Man of Muscle Mystery – единственный супергерой в мире, который трещит по швам. Когда-то их было много, но отчего-то все исчезли. Флекс может делать практически все, что пожелает, ему надо лишь напрячь мышцу. Он может обезвреживать бомбы и останавливать преступников, он даже может поменять форму Пентагона, что он сделал в своем камео в “Doom Patrol”. Именно в “Doom Patrol”, во время рана Моррисона впервые появился этот ходячий стеб над Чарльзом Атласом. Впрочем, эта мини-серия никак не связана с “Doom Patrol”, поэтому можно про него забыть.

Но только после упоминания о необычном происхождении Флекса. Он – персонаж из комикса, созданный маленьким мальчиком, Уолли Сейджем. Но Уолли настолько поверил во Флекса, что тот материализовался и в настоящем мире. Моррисон тут седлает одного из своих любимых коньков – он довольно часто делает упор на силу воображения.

Уолли Сейдж присутствует и здесь, в роли умирающего в подворотне поп-певца, которому надоело все на свете и он обожрался наркотиков, чтобы умереть. Уолли разговаривает с кем-то по телефону, и рассказывает о своем детстве и комиксах. Эта линия сюжета сначала кажется очень непонятной, и до самого конца, не ясно, что там происходит на самом деле. Но что очевидно сразу – это автобиографичность истории Уолли, эмоциональность человека, который просто хотел поговорить о чем-то приятном и хорошем, прежде чем он умрет – о комиксах. Тут же Моррисон говорит, что не понимает, почему люди стесняются, если читают комиксы о супергероях. Ведь супергерои должны олицетворять добро и справедливость, они должны быть идеалом, чего тут стыдиться?

И в этом простом тезисе и заключается основной посыл истории Флекса. Как сам Моррисон подтвердил в “Supergods”, четыре выпуска серии – это четыре эпохи комиксов.

Первый выпуск – это Золотой Век. Эпоха рождения комиксов, когда многих ныне устоявшихся канонов не было и в помине. Флекс начинает свои попытки спасти мир и ищет старого друга, который может ему помочь. Я, честно говоря, не читал комиксы Золотого Века, поэтому не уверен, насколько они похожи на эту работу Моррисона.

Второй выпуск – это Серебряный Век. Помимо памятника всей индустрии в целом, “Flex Mentallo” – это рассуждение о Серебряном Веке. Поскольку Моррисон – романтик в душе, он очень не любит Темный Век, когда идеалы супергеройских комиксов были разрушены. Серебряный Век – это детство, самая счастливая пора, когда все кажется новым и интересным. Да, комиксы того периода порой глупы, да, порой они очень странные – это не отменяет их прелести. Но, Моррисон не слеп к проблемам Серебряного Века. Как он сам пишет, в те времена комиксы писали обдолбаные фрики, и это, конечно, не могло не проявиться. Слишком безумные сюжеты, слишком откровенные намеки (все помнят картинку с Бэтменом и Робином в постели), а ведь в то время, комиксы о супергероях читали только дети. Но в них была идеалистичность, была надежда, была вера в добро. Я не против “темных” героев, тот же Морфей из “Sandman” – великолепен. Я не против “темных” супергероев, да и Моррисон не против, судя по “Batman R.I.P”, но во всем должна быть мера.

Темный Век – это тема третьего выпуска. Тон комикса меняется, появляются монологи, характерные для этого периода истории комиксов, появляется жесткость, даже погода и та портится. А уж сцена супергеройской оргии (не спрашивайте) в полной мере демонстрирует все проблемы Темного Века. Темный Век – это эпоха, когда все авторы решили одновременно выпустить на волю подростков внутри себя. Кровь, секс, атмосфера, от которой хочется повеситься – все это стало преобладать в супергеройских комиксах. И опять же, в этом нет ничего плохого, если бы это было в нескольких сериях. Но нет, тренд охватил весь медиум. И делалось это “овзросление” в большинстве случаев безвкусно. Как правильно заметил один из героев комикса: “Только озлобленный подросток может перепутать реализм с пессимизмом”. Конечно, лавину начал Алан Мур, деконструировав супергероику со своими “Хранителями”. Конечно, нужды в этой деконструкции не было, и работа Мура знатно переоценена, но она хорошо написана. Она мрачная, но ее явно писал не “озлобленный подросток”. Основная вина лежит на Фрэнке Миллере с его “Dark Knight Returns”. Не будем вдаваться в детали, ибо статья все-таки не о нем, но именно эта работа – олицетворение всего плохого, что было в Темном Веке. Может быть, как-нибудь еще поговорим об этом.

Но все подходит к завершению, и четвертый выпуск представляет завершение Темного Века и начало Современного Века. Моррисон отчетливо показывает возрождение надежды и добра. Грустно видеть, как все-таки заблуждался Моррисон, ведь сейчас намного больше комиксов а-ля-Миллер, чем тех, о каких говорит Грант. Но, тем не менее, надежда не умирает, и Моррисон прекрасно показывает ее рождение. Если ближе к концу выпуска вы не будете на грани плача, то: а) Вы не любите комиксы; б) У вас нет души. Когда становится ясен весь подтекст, когда становится ясной роль Уолли Сейджа в комиксе, когда становится ясной роль Флекса Менталло в его жизни – надежда расцветает ярким цветом.

Фрэнк Куайтли – один из лучших художников в наше время. Я не знаю, что на меня нашло, когда я читал “All-Star Superman”, но почему-то он мне тогда резко не понравился. Потом я прочел “New X-Men” и “Batman and Robin” и понял, что как-то странно я читал Супа. Куайтли не настолько разнообразен, как тот же Джей Эйч Уильямс III, и не настолько фотографичен, как Алекс Росс, и традиции Кирби тоже ему чужды, в отличие от Марка Бакингэма. Но так передавать динамику истории, так поймать самую суть комикса, как это удается Куайтли, не удается никому из вышеперечисленных мастеров. Тут Фрэнк еще неопытен, и это видно. Он не достиг технического совершенства, которое будет присутствовать в “New X-Men”, и Моррисон еще не начал писать крутые сцены исключительно, чтобы Фрэнк мог порезвиться, как это будет в “Batman and Robin”. Но и тут порой проскакивают проблески будущей гениальности, а уж за последнюю страницу – хочется пожать Фрэнку руку.

Резюме – трогательное любовное письмо комиксу, как медиуму. C Моррисоном можно не соглашаться в его чувствах по поводу Серебряного и Темного Веков, но он говорит правильные вещи. Комиксы должны быть в первую очередь о добре и справедливости, комиксы не должны писаться “озлобленными подростками” с суицидальными наклонностями.

Но, хоть Моррисон и выполняет свою работу на отлично, как обычно, набивая текст отсылками буквально ко всему, что ему по душе, и заставляя перечитывать каждую страницу по несколько раз, чтобы быть уверенным, что ты не упустил маленькую деталь, которая станет необыкновенно важной позже, все равно в этом шоу, он на вторых ролях.

Ибо жгут у нас художники. Одна из мыслей, которая не покидала меня во время чтения “Seven Soldiers”: “Как Моррисону удалось привлечь к проекту столько отличных артистов?”. Каждый из них идеально подстраивается под Моррисона и создает уникальную атмосферу для любого из его героев.

Seven Soldiers #0 – это пролог ко всей истории. Если бы мне к виску приставили пистолет и заставили выбрать сильнейший отдельный номер – это был бы именно он. Конечно, что именно происходит – практически не ясно, на протяжении всего номера. Но уже здесь Моррисон закладывает кирпичики метасюжета, из которых выстроена серия (хоть общий сюжет и не самая сильная сторона “Seven Soldiers”). И уже в этом выпуске Гранту удается удивить неожиданным сюжетным ходом. Но самая сильная сторона – это без сомнения арт Джей Эйч Уильямса III, который, вполне возможно, лучший комикс-художник на данный момент. Невероятная смена стилистики чуть ли не через каждую пару страниц, какие-то совершенно сумасшедшие образы, гениальное использование панелей. Я был абсолютно серьезен, когда говорил, что художники – гвозди “Seven Soldiers”.

Shining Knight – сколько уже было версий Артурианы? Не перечесть. Вот и Моррисон представил свою версию, которая, правда, очень нестандартна. По сути, ее и Артурианой не назвать, потому что, ни одна из традиционных сюжетных линий, в этой версии не прорабатывается, и не факт, что существует. А что же мы имеем в этой версии? Падение первого Камелота под ударами злых эльфов из космоса, которые зовут себя Шида и являются главными антагонистами всей мега-серии.

Здесь Моррисон играет не только со стилями, переключаясь со стиля легенд на современный слэнг, он играет еще и с жанрами. Большая часть серии – это такая себе смесь дарка и героики. Полностью дарком назвать не удастся, ведь наш протагонист, Блистательный Рыцарь Джастин – рыцарь Камелота с чистым сердцем, но все прочие элементы дарк фэнтези присутствуют. О присутствии постмодернизма можно и не упоминать, это ведь комикс Моррисона, dammit. Но сильнее всего меня поразила атмосфера нуара, окутавшая второй номер серии.

Помимо пропаганды добра, чистых сердец, храбрости и прочих стандартных добродетелей, Моррисон здесь жестко и точно высказывается по поводу наших времен и, если мне не кажется, по поводу довольно долго длившегося в комиксах Темного Века. В 90-ых все старались сделать комиксы, как можно более “реалистичными”, считая, что гипертрофированное насилие и повсеместные откровенные сцены помогут этому, и забывая, что всего хорошо в меру. Моррисон, который любит подстебывать комикс-индустрию, и делает это еще более открыто в паре других серий из “Seven Soldiers”, и известный своей любовью к разрушению четвертой стены, показывая грязный и мрачный мир в качестве аллюзии на Темный Век комиксов.

Симоне Бьянки идеально подходит для этой серии, и если исключить из подсчета первый и последний выпуск нарисованный Уильямсом, то именно “Shining Knight” становится самой красивой мини-серией. Единственная претензия, которую к нем можно предъявить – во время экшн-сцен, рисунок становится менее детализированным, более традиционно-комиксовым, но это, очевидно, сознательный выбор.

“Shining Knight” – очень сильная мини-серия, и лишь чуть-чуть ей не хватает, чтобы быть лучшей.

Manhattan Guardian – самая смешная, но при этом и трагичная мини-серия. Нет, ну серьезно – главный герой, бывший коп Джейк, устраивается на работу в газету “Манхеттен Гардиан”. Вот только он не собирается работать репортером или фотографом. Нет, Джейку досталась работа куда более опасная и захватывающая – он будет работать супергероем для газеты. Прям, мечта Спайдера Иерусалима, if you know what I mean.

Это очень абсурдная вещь, почерк Моррисона в ней узнается моментально. Помимо уже упомянутого супергероя нанятого газетой, тут еще и армия малолетних газетчиков, подгоняющих Джейку байк, и остров населенный роботами, созданный, для проекции человеческого поведения и его последующего изучения. Вот только… Но не буду спойлерить, просто верьте, Моррисон эту ситуацию с блеском разрешил, совершенно не шаблонно.

Но главное украшение блюда – пираты Нью-Йорка. Точнее, нью-йоркской подземки. Сама идея о пиратах живущих там, и использующих вместо кораблей поезда – гениальна. Да по этой идее можно фильм снимать, но Грант тратит на нее, всего 44-ре жалких страницы. Но он из них выжал по максимуму. Даже умудрился подколоть давнего врага, вставив в комикс двух пиратских капитанов Безбородого (No-Beard) и Всебородого (All-Beard). Первый, это понятно, сам Грант, а второй – Алан Мур. Кто из них победит? Make a guess.

Кэмерон Стюарт отлично поработал над комиксом, хоть его стиль и намного более традиционен, чем стиль тех же Бьянки и Уильямса. Но, того требует сам комикс, которому нужно выглядеть традиционной супергеройской историей, чтобы удивить читателя.

Вообще, сама концепция комикса становится его главной проблемой. Он очень странный, слишком странный, чтобы быть универсальным, как тот же “Shining Knight”. Он понравится далеко не всем, но если понравился, можно делать вывод, что Моррисон – ваш автор.

Zatanna – Затанна, без сомнений, самый известный персонаж изо всех семерых героев. Она член Лиги Справедливости и герой, пусть не A-класса, но как минимум, C-класса. Значит ли это, что Моррисон не будет вершить сумасшествие в ее комиксе. Нет, конечно. Это ведь Грант fucking Моррисон и это еще одна его сторона. “Zatanna” не абсурдна, как “Manhattan Guardian”, происходящее в котором можно было понять. Нет, “Zatanna” – это такой традиционный для Моррисона mindfuck. Поначалу, вроде бы все нормально и обыкновенно, изюминки у комикса не видать. То, что Моррисон начинает творить потом – это безумие, чистое безумие. Путешествия по странным мирам, автобус призраков, опирание на четвертую стену – Грант на пике своих сил.

Ну и аллюзии к сказке, тоже никак нельзя упускать из внимания. К какой сказке? Ответить на этот вопрос, значит страшно проспойлерить все что можно. Достаточно сказать, что новообретенная ученица Затанны, Мисти – как та сова из “Твин Пикса”, не то чем кажется.

В каком-то смысле, несмотря на вышеперечисленные плюсы, этот комикс слабее, чем предыдущие два. Он вроде бы и очень сильно привязан к сюжету общему и к сюжету “Shining Knight”, но вот реализация сюжета не потрясает воображение. Моррисон немного переусердствовал с mindfuckом, оставив куски, когда комикс ощутимо провисает. Впрочем, что есть хорошо для фанатов Затанны, Грант отдает ей и ее истории должное. Она – единственный из семи персонажей, кто не становится кем-то. Нет, она уже кто-то, но она потеряла веру в себя и свои способности, она пытается оправдать себя перед собой же.

Но Райан Сук откровенно божит. На протяжении первых десяти страниц, может возникнуть недоумение, но поверьте, как только просыпается Моррисон – просыпается и он.

Klarion the Witchboy – лучшая мини. Кроме шуток. Готичная история о чуде, детстве, и о том, как быстро оно проходит, напоминающая о лучших выпусках геймановского “Песочного человека”. Мне очень нравится такой Моррисон, как в этом комиксе. Он мрачен, все равно мрачен, но в то же время – невероятно добр. Он может наделить верой в чудо, когда ты смотришь на комикс, как Кларион смотрит на мир – с постоянным невинным удивлением и восторгом.

И, как обычно, идеи невероятны. Община синекожих мормонов, живущих глубоко под землей, и поклоняющихся богу Кроатоану – шик! А еще эти мормоны воскрешают своих умерших (такое впечатление, что умирают только мужчины) в виде зомби и заставляют их работать на полях. Как они зовут этих “зомби”? Гранди! Моррисон привычно разбрасывается идеями в таком количестве, что некоторые авторы могли бы пару лет по ним писать.

Но одной из главных удач Гранта является образ Клариона – нашего главного героя. Мятежный дух, не желающий смиряться с ожидающей его смертью и последствующей грандифкацией, он хочет сбежать с родины, хоть всех их и уверяют, что за пределами их деревни, не существует никакого мира. Но он верит в существование Голубых Стропил – райского мира чудес и волшебства и уверен, что доберется туда однажды. Но в то же время, хоть он и положительный, по большей части, персонаж, он все равно далеко не идеален и бывает очень жесток и эгоистичен временами. Ну и плюс к этому, эта серия представляет лучшего второстепенного персонажа – кота Клариона, Тикла.

Ну и Фрейзер Ирвинг, замечательный, безумный Фрейзер Ирвинг. Он не ломает каноны, не меняет стандарты, он просто работает в своем стиле. Но, мой Бог, он делает это прекрасно. Возможно, он не так техничен и разностороненн, как Уильямс и Бьянки, но он абсолютно точно на своем месте в этой серии. Я могу представить “Shining Knight” с другим художником, и у той серии все равно будет шанс на успех. Но “Klarion” без Ирвинга? Провал, сразу же провал.

Вообще, очень странно. Это самый внутренне простой комикс, Моррисон не сует сюда килограммы аллюзий и подтекстов, но в то же время, именно он цепляет больше всего. Безоговорочно и сразу.

Mister Miracle — именно эта серия является непрямым прологом к Финальному Кризису. Она же сильнее всего привязана ко вселенной DC и в особенности к работам Джека Кирби. Мистер Чудо – один из Новых Богов вселенной DC. К счастью, наш протагонист в этой истории, Шило Норман, не оригинальный Мистер Чудо, поэтому даже если вам совсем ничего неизвестно о Новых Богах, можно смело читать. Другое дело, отсутствие радости узнавания, и тому подобных плюшек, но это не самое страшное.

Вообще, Кирби оказал огромное влияние на мир комиксов, как своими работами в Марвел, где вместе со Стэном Ли создал чуть ли не всех иконических персонажей, но и своими поздними, более серьезными, но не столь популярными работами в DC. По вкладу в комиксный медиум, по количеству вдохновленных им художников и писателей, впереди Кирби может быть только Эйснер. Впрочем, Моррисон не старается писать как Кирби, и это разумно. Он отдает ему честь, используя его персонажей с толком.

Само собой, в этом комиксе очень многое взвалено на сюжет и сюжетные повороты. Я говорю честно – не верьте Гранту Моррисону. Вообще не верьте, но в этом комиксе – в особенности не верьте. Наслоение реальностей, трагедий, надежд – разобраться, что реально, а что нет, и что вообще происходит – очень сложно, и до конца комикса, пожалуй что и невозможно.

Как вы уже наверное догадались, художник Паскаль Ферри – очень хорош. Подобно Моррисону, он не старается косить под Кирби, он просто дает какое-то киберпанковое безумие смешанное с психоделом в духе любимых Моррисоном “The Beatles” и ранних “Pink Floyd”.

Ну и вообще, комикс в котором Дарксайд – это здоровенный негр-бизнесмен, просто не может быть плохим.

Bulleteer – куда ж мы без комикса про безумных ученых? Вполне себе традиционный гений, повернутый на бессмертии, только желательно – не в виде седого старца. Этот ученый изобретает сыворотку под названием “умная кожа”, которая превращает кожу в металл. И, поскольку, он помешан на идее быть неуязвимым супергероем, то принимает ее. И нечаянно, заражает свою жену, которой вся эта идея с супергеройством казалась идиотской. Несложно догадаться, что случилось дальше. Ученый задохнулся, и оставил свою жену расхлебывать последствия его ошибки.

Как и все прочие (кроме “Zatanna”) серии, эта тоже фокусируется на становлении, и тоже (как и “Manhattan Guardian”) на становлении супергероем. Моррисон начал повторяться? Не совсем. Потому что здесь, Моррисон атакует читателей комиксов. Не всех без разбора, а исключительно фанатов фансервиса, которые помешаны на соблазнительных изображениях супергероинь. Я признаюсь, до меня дошло не сразу. И пока я не понял, я с удивлением смотрел на страницы, вопрошая: What the fuck? Потому что поначалу, складывается впечатление, что Моррисон решил сделать комикс о проблемах женщин среднего возраста.

Потому что, штампы на месте. Муж – идиот и изменник, Аликс (наша героиня) – умная, сексуальная, смелая – прям идеальная. Черт, даже молодая соперница и то присутствует. Но на самом деле, Грант рассказывает очень страшную историю. Феминистскую в своей сущности. В конце концов, он ведь не зря довольно часто говорит о проблеме сексизма, которая наблюдается в комикс-индустрии.

C рисунком Янника Паке складывается та же проблема первичного непонимания, что и с текстом Моррисона. Пока не поймешь идею комикса, постоянное изображение Аликс в модельных позах, кажется… чересчур навязчивым фансервисом. Конечно, потом все становится на свои места, и художнику апплодируешь, он сумел обмануть.

Frankenstein – такой себе “Hellboy” от Моррисона. Вообще, вписывать в свое произведение Франкенштейна – это очень рискованный шаг, ведь результат практически гарантированно получится трешовый. Моррисон не старается избежать этой трешовости, он ее встречает с распростертыми объятиями. При этом, несмотря на немалое количество мерзких врагов, он умудряется обойтись без крови и расчлененки (ну, почти).

Но у меня к этой мини-серии другая претензия. Мне нравится сюжет – он реально неплох, мне нравится сам Франкенштейн и идея его родства с Соломоном Гранди – оба неубиваемые монстры, только по разные стороны добра и зла. Мне нравится концепт Франкенштейна как мстящего ассассина, вроде Эцио Аудиторе (только причины мести у него другие).

Но мне очень сильно до отвращения, не нравится избранный Моррисоном стиль. Все эти “Frankenstein prevails!” или “Frankenstein deals death” – очень раздражают. И ведь такой ход был бы оправдан, если бы Франкенштейна показали тупым монстром, вроде Халка, но нет же. Он довольно-таки умен и хитер, и о себе в третьем лице не говорит (и на том спасибо), именно поэтому этот стиль выглядит притянутым за уши. В целом, впечатление от комикса это не портит, конечно,но все-таки раздражает.

Как-то уже даже странно хвалить арт, но что поделать, когда он все так же замечателен. Насыщенный и зернистый рисунок Дага Мэнки просто прекрасен. Он не старается детализировать картинку, порой скатываясь чуть ли не в гротеск, но в этом комиксе – это выглядит естественно.

Seven Soldiers #1 – я не буду ударяться в детали выпуска, ибо спойлерить завершение всей серии как-то неприлично. Да, помните, я в начале статьи говорил, что у Гранта есть проблемы с финалами. Так вот, этот комикс не стал исключением. Финал не ужасный, он логичен, он красив, но слишком скомкан. В этом случае Моррисону банально не хватило объема, чтобы закончить на высочайшей ноте. Динамизм – это хорошо, но не в ущерб цельности повествования. Зато на посту художника снова Джей Эйч Уильямс, и если вы думали, что он показал все, что может в прологе… Просто подумайте еще раз.

Резюме – очень амбициозный проект и невероятный аттракцион, на котором Грант Моррисон демонстрирует все грани своего таланта. Я не знаю, magnum opus ли это, но очень похоже на то. Любителям нестандартных и умных комиксов – стоит читать. Яркая демонстрация того, что и в мейнстриме возможны комплексные работы.