«Фрэнк Заппа назвал его «самым интересным гитаристом на планете» — и большинство музыкантов согласятся с этим. Аллан Холдсуорт не только самый интересный, он ещё и один из самых почитаемых. Гитарные легенды, от Джона Маклафлина до Эдди Ван Халена, называют его «верховным магистром», «величайшим гитаристом за всю историю» и другими титулами, общий смысл коих примерно одинаков. Его текучий звук, сложные импровизации и его стремление к разработке полностью оригинального стиля игры возвели Аллана до статуса верховного божества пантеона гитарных богов. Немногие гитаристы за всё время существования этого инструмента заслужили такого почёта и уважения. Журнал Guitar Player удостоил его попадания в свой «Зал Славы», а Musician возвели его на пятую строку рейтинга «100 лучших гитаристов всех времён». Лишь музыкант с настолько целостным подходом к музыке способен создать уникальный стиль – стиль, которому подражают, но который остаётся недостижимой вершиной. Однако, «музыка Холдсуорта» глубоко личная – так воспринимаются даже его выступления. И, несмотря на то, что Аллану не нужно лишний раз напоминать о его достижениях, его легко можно назвать простым и скромным человеком. Лесть он мягко отклоняет, а к себе относится с известной долей самокритичности – весьма редкое качество для человека с таким статусом»
Этой цитатой из небольшого предисловия к последнему переизданию EP Road Games можно было бы как начать, так и закончить. Ничего лишнего, точно и кратко. Разве добавить, что когда наблюдаешь за выступлениями этого, в общем-то, уже совсем не молодого человека с удивительно молодыми руками, видишь, что дурацкое и до пошлости банальное словосочетание guitar god никак с ним не вяжется. Чтобы понять «почему», следует узнать «как», а для этого стоит до погружения в биографические экскурсы немного углубиться в мир «музыки Холдсуорта».
Чтобы описать игру Аллана, не прибегая к изощрениям с музыкальной терминологией, хватит одного эпитета – уникальная. Спутать эту смесь техник, практически все из которых он сам и разработал, невозможно даже будучи глухим на одно ухо. А уж попытка «плагиата» без честного указания копирайтов заранее обречена на провал из-за откровенной подражательности такой попытки. Парадокс, но основа этой уникальности сама лежит в…имитации. Утверждение, могущее показаться странной шуткой: Аллан никогда не любил звучание электрогитары и гитарный звук в принципе. Вот только, по его же словам, он пытался вовсе не намеренно отойти от традиционного звука этого инструмента, а целенаправленно подражать струнным или духовым из-за слабой осведомлённости в традиционных приёмах игры на «электричке». Не со зла, а по глупости. Корни этой мимикрии уходят в детство, когда Аллан получил страшную душевную травму, навсегда изменившую его жизнь. Но нерадивый отец, подаривший парню чуждый его душе струнный щипковый инструмент, хоть и убил в зародыше будущего гениального валторниста или саксофониста, благодаря этому поступку стал причастен к появлению гитариста-уникума. Здраво рассудив, что дарёной гитаре струны не рвут, Аллан решил использовать её по-своему. И главным его орудием, по сей день превращающим электрогитару в инопланетный инструмент, стала техника.
Увы, многие превратно понимают нехитрое словосочетание «техника игры» или, одним словом, техничность. Нет, Холдсуорт умеет играть быстро, да так, что заткнёт за пояс любого типичного пилильщика. Не просто скоростью, а сочетанием её с заоблачной чистотой звукоизвлечения, которой нет у большинства «монстров шреда». Предельно чистое и плавное легато – вот главный опорный столб всей техники имитации звучания валторны и саксофона, который подпирают столбики поменьше – активное использование эффектов с целью получения своеобразной окраски звука и, наконец, резкие скачки громкости, которые вкупе с другими нюансами только усиливают впечатление, что это именно духовой инструмент, только странный какой-то. Холдсуорту одному из первых пришла в голову идея подцеплять MIDI-контроллеры к гитаре. Был или не был он пионером такого подхода – вопрос не в этом. Главней всего то, что использует его он для имитации, но уже струнной секции, в связке с эхом и хоровым эффектом.
В какие-то моменты фразировка и артикуляция отчётливо напоминает фортепианную игру – это притом, что Холдсуорт не использует тэппинг. А когда-то становится вовсе сложно понять, что за инструмент звучит на этот раз. Переходы между стилями и техниками иной раз до того незаметны, что, не сосредотачивая внимания, остаётся только очередной раз задаваться немым вопросом. А когда обращаешься ко всем своим способностям восприятия, то к по-детски наивному восторгу прибавляется восторг от понимания того, что здесь продумана каждое движение в мелодии, каждая пауза, каждая фраза и её вариация, мотивы и их развитие.
Когда нужно, он пускается в скоростной забег, но не ради достижения рекорда. Перепады темпа, как и громкости и высоты звука – это ведь тоже сильное выразительное средство, работающее на tension and release – «напряжение и разрешение». Правило, которым пользуются издревле все, от писателей до алхимиков кино, чтобы рассказывать истории. Только современные музыканты чаще других забывают о нём. А когда от утомительно стабильной динамичности, громкости, предсказуемости или, напротив, ничем не обоснованной непредсказуемости устают не столько уши, сколько слух, становится поздновато приносить извинения за моральный ущерб и потерянное время.
Отходя от ожидаемых развязок и композиционных шаблонов, Холдсуорт не создаёт себе образ постмодерниста-шутника, а обращается с ожиданиями слушателя по-джентельменски. Подставляя диссонанс в самых неожиданных местах или удаляясь к не самым родственным тональностям, он вносит этим не разлад, разрушая гармоничную историю или сцену, доставившую бы синестетику особых ощущений, а добавляет новые краски, эмоциональные оттенки или сюжетный поворот.
Чтобы объяснить ещё множество других секретов Аллана, можно было бы прибегнуть к анализу, но разбор дело тоскливое, а чтение его ещё более, особенно для тех, кто не очень знаком с музыкальным анализом, который, впрочем, не отличается от литературного по сути своей. Чем изучать массу букв, достаточно единожды услышать, как «музыка Холдсуорта» описывает сильные эмоциональные порывы, отражает внутренние метаморфозы и переживания, касается потаённых уголков и забытых мест.
Или позволяет увидеть, как ночное небо мягко озаряется мерцанием звёзд, ярко вспыхивает фейерверками гармоний, а ночной город исчерчивается неоновыми полосами и до краёв заполняется светом уличных огней.
В составе Tempest Однако его, творчество, сложно назвать популярным даже на Западе. Дело даже не в том, что его нельзя назвать особенно доступным и простым, а в том, что оно лишено тех качеств, которые даже самого отпетого шреддера могут сделать звездой арен – виртуозного циркачества, нацеленного на создание wow-эффекта для жаждущей запилов и зрелищ публики. Его редко приглашают на фестивали, не является он сейчас и участником раскрученных проектов и групп, если не считать таковым квартет HoBoLeMa.* Если не считать пары-тройки самых известных композиций, то нет в его репертуаре ничего, что сошло бы в качестве хита для ротаций. «Беда» ведь ещё в том, что его музыка никак не вписывается в рамки, форматы и клише. Для джазовых радиостанций, аудиторию которых иной раз нельзя описать иначе как пуристскую, он слишком роковый, хотя кроме нескольких песен ничего такого у него и нет. По мнению самых лояльных и демократичных рок-станций, даже ценящих прогрессив-рок, он слишком джазовый и заумный даже по меркам их аудитории, которая якобы слишком привыкла к дисторшену и внутренним штампам прогрессива, чтобы адекватно воспринимать что-то подобное, «околоджазовое». Дополнительным двигателем прогресса могла бы стать Сеть, нет спору. Но, может, уже просто слишком поздно? Рейтинг прослушивания на Last.fm, особенно при сравнении с рейтингами других более-менее известных гитаристов, рождает подобные невесёлые мысли. Несмотря на легендарность его имени в профессиональных кругах, слушатель гораздо лучше знаком с теми, кто им восхищается и восхищался: самым, пожалуй, популярным гитаристом джаз-фьюжена Джоном Маклафлином, не-нуждающимися-в-представлении Стивом Ваем, Эдди Ван Халеном, Джоном Петруччи, Грегом Хоу, Джо Сатриани, Грэгом Хоу и, мир их праху, Шоном Лейном и самим Заппой.** Дело дошло даже до металла. Именно под его влиянием Пол Масвидал конструировал звучание Cynic, а Фредрик Тордендаль из Meshuggah начал использовать breathe controller...уже не говоря о том, насколько явно его влияние в соло.*** О менее известных случаях говорить, думаю, не стоит – эпигонство совсем не ценится среди, простите за тавтологию, ценителей подобной музыки.
В общем, неоткуда особо взяться глобальной популярности Холдсуорта. Но против известности, которая не всегда равна популярности, не попрёшь. Чтобы перечислить все альбомы и проекты, в которых он принял прямое и явное участие, а также упомянуть все его профессиональные знакомства, потребуются, по меньшей мере, два человека без увечий пальцев верхних и нижних конечностей. Желающих нет? Обойдёмся манекенами.
Soft Machine, 1975 Холдсуорт впервые попал на большую…ну, средних размеров сцену в составе Igginbottom, игравших добротный джаз-рок. До этого знаменательного события он околачивался в роли исполнителя по разным заведениям мелкого пошиба. Через пару лет он объединил силы с музыкантами, в числе которых был и Джейми Мьюр, будущий перкуссионист King Crimson на ещё не вышедшем Larks' Tongues In Aspic, чтобы создать, да так и не выпустить материал, игравшийся только на концертных выступлениях. Затем пришла очередь дебютника Tempest, сайд-проекта ударника культовых Colosseum, от которых Холдсуорт откочевал прямиком к ещё более культовым Soft Machine. Как раз в Tempest случилась встреча с вокалистом Полом Уильямсом, с ним же после тура Road Games произошла размолвка с не самыми приятными итогами.
Нежданно-негаданно подвернулась удача – возможность сработаться с самим Тони Уильямсом. Такая удача на дороге не валяется, поэтому Аллан принял вызов…и попал-таки в состав The Tony Williams Lifetime, приняв участие в работе над Believe It, ставшим впоследствии одним из самых известных джаз-фьюженовых альбомов. «В каждой бочке затычка» – это про Холдсуорта. До начала 80-х он успел записаться ещё с целой кучей отборных музыкантов и групп, в числе которых джазовый пианист Гордон Бек, знатный ансамбль Gong и легендарный мультиинструменталист Жан-Люк Понти. Опять джазовый, да. 1976, Gong Особенно удачно он подвернулся Биллу Бруфорду, который замышлял тогда свой личный проект в отдалении от большой стройки. Перечислять регалии этого ударника, каким-то образом совмещавшим карьеру в Yes и King Crimson, а между делом записывавшим сессионные партии, было бы безумием – не хватит виртуальной бумаги и терпения. Feels Good to Me и One of a Kind вышли такими какими вышли не в последнюю очередь благодаря тому, кому посвящена эта статья.
Идея своей группы, давно назревавшая в голове Аллана, была простимулирована в очередной раз, но прежде, чем он успел радостно сбежать на свободу, Бруфорд бесцеремонно скрутил и затащил его в страшное тёмное место под названием U.K. Одноимённый дебютный альбом этой супер-группы многие современники и современные прогрессивщики считают одним из самых влиятельных в направлении. К счастью или несчастью, Холдсуорт недолго продержался в составе из-за своей пагубной тяги к самовольным выходкам. Его угнетала необходимость постоянно придерживаться одних и тех же партий на каждом выступлении. Джона Уэттона угнетала его привычка к импровизациям, которые, по его мнению, не вписывались в концепцию U.K. Но более забавно в этой истории то, что Бруфорд ушёл или был уволен вслед за Алланом…из чувства солидарности. 1978 год. На студии с U.K.
Первым сольным альбомом для… Погодите, а что это такое? Нет, Velvet Darkness – это не дебютник, а проявление наглости лейбла, издавшего еле-еле «отмастеренные» репетеционные записи с ярлыком настоящего полноформатного релиза. Разумеется, Холдсуорта такое безобразие привело в бешенство и потому он до сих пор молча отмахивается при упоминании этого казуса, а уж тем более ни одну из этих композиций не исполняет вживую.
Да, первым был I.O.U., после которого ударный клавишник Гэри Хасбенд стал частым гостем в трио. Именно с подачи Ван Халлена I.O.U. стала первой по-настоящему успешной записью Аллана и компании. Эдди, питая самые дружеские чувства к Аллану, вывел его через все колеи и заградительные минные поля на контракт с Warner Bros. Records. С которыми он, как и следовало ожидать, не слишком удачно сработался, уйдя к Enigma. С Road Games начался не только новый этап карьеры, ознаменовавшийся номинацией Грэмми, но и знакомство с Чедом Уокерманом, уже успевшим сработаться с Заппой, предъявлявшим высочайшие требования к исполнителям. Аллан тоже, однако, оказался не из слабаков, но каким-то чудом Уокерман держится в составе уже почти три десятилетия. По опасной грани с ним ходит басист Джимми Джонсон, подрабатывающий у легенды фолк- и блюз-рока Джеймса Тэйлора…или, может, наоборот? А вот пианист и клавишник Алан Паскуа, с которым судьба свела его под крышей дома Тони Уильямса, продержался не так долго, хотя он до сих пор нередко присоединяется к лайвам. Кстати, единственное, что Аллан не имитирует — это ритм-секция. Тут дело даже не в каких-то странных «объективных причинах». Зачем, когда она уже есть, тем более такая?
Винни Колаюта впервые наткнулся на Холдсуорта в конце восьмидесятых и отметился на Secrets и Wardenclyffe Tower, который можно отметить ещё и как первую попытку Аллана побряцать на баритон-гитаре.
Конечно, Уокерман, если обратить внимание не только на его стиль, но и на послужной список, немного более роковый ударник, нежели Колаюта, сотрудничающий преимущественно с солидными джентльменами и леди джазовой сцены, и игра его в некотором роде изящнее, более изощрённая и разнообразная по звуковой динамике. Хотя Уокерман ничуть не хуже подчёркивает нужные эпизоды богатыми текстурами, мягкими или плотными сбивками и необычным битом. А Джонсон сразу прекрасно вписался в роль штатного бас-гитариста, подтверждая правильность выбор кандидатуры на этот пост соло собственного сочинения.
Впрочем, на этом список знаменитостей не заканчивается. Холдсуорту удалось привлечь пол-Tribal Tech, включая заслуженного героя бас-гитары Гэри Уиллиса, вместе с Гордоном Беком, для которого это была уже третья совместная с ним работа, для создания альбома...джазовых стандартов — None Too Soon. Или, по-нашему, каверов. А Дэйв Карпентер со своим акустическим басом стал одним из компонентов, которые сделали The Sixteen Men of Tain нетипично джазовым.
С конца незабвенных восьмидесятых, где бы не издавался, Аллан всегда проводил работу с записью и микшированием на личной домашней студии. За исключением последнего на сегодняшний момент сольного альбома — Flat Tire.
После него же он неожиданно взял отпуск. Хотя, если подумать, немудрено это, после стольки-то годов трудовой деятельности без выходных – разве что лишь с перерывами на пиво и эль. И хотя концертную деятельность он и не думал прекращать, альбом вот, на который по его уверениям набралось достаточно материала, что-то не спешит рождаться. Правды знать нам не дано, но, возможно, любитель пенных верхушек опять что-то затевает со своей «прелестью». Пожалуй, мы подошли опять к очередному первому по важности повороту.
Похоже на оружие Судного Дня, но придётся разочаровать: эта странного вида помесь гитары и топора — попросту «обычный» SyntAxe. Вместо разных «крутилок» – контроллер, позволяющий дыханием плавно управлять громкостью и разными эффектами. В остальном, если не брать в расчёт мелочи вроде наличия клавиатуры, раздельных комплектов струн, это та же гитара, за одним главным исключением: это синтезатор для ленивых гитаристов. Холдсуорт впервые использовал его на Atavachron 1986 года издания и с тех пор является самым известным владельцем этой невероятно редкой и весьма дорогой вещицы, доведшей компанию её создававшей до закрытия из-за полной нерентабельности производства. Это не первый гибрид подобного рода, но Аллану он единственный пришёлся по душе и левой руке.**** Зачем такое вот несуразное вообще нужно? В ответ на такой вопрос он ответил бы что-то вроде «надо слушать не глазами». Критиковать за использование SynthAxe его начали практически сразу, о чём написано в заметке к первому изданию Secrets. Казалось бы, понять беспокойство поклонников можно. Atavachron, будучи первым альбомом с использованием этого инструмента явно не был ласковым со слушателем новым и, тем более, старым. После весьма доступных Road Games, I.O.U. и Metal Fatigue, где Аллан местами не гнушался дисторшена и рок-гармоний, новинка обрушивалась на уши пространными футуристичными мелодиями, заметно возросшей комплексностью композиций, и под конец добивала непривычным девайсом, самой странной особенностью звука которого является совсем уж инопланетный тембр.*****
Во всех последующих SynthAxe использовался только в редких и избранных композициях, хотя к списку из одного пункта можно добавить второй – Flat Tire. Но SynthAxe лишь звучит непривычно, хотя на деле предоставляет столько же возможностей за контролем звукоизвлечения, сколько и электрогитара. Поэтому недовольство части почитателей «искусственным» звучанием СинтТопора кажется надуманным. Слышали бы они, что ценители классической гитары говорят в этом смысле об «электрухе»... Даже если бы Холдсуорт полностью ушёл от электрогитары, менее значимым исполнителем он не стал бы, а композитором уж тем более. Только сменил бы профиль. Музыка Холдсуорта, когда визионерская, когда личностная, когда гитарная, когда не очень, всегда наследует черты, которые сделали его путеводной звездой на карте созвездий гитарного мастерства.
Тот самый бутлег, из-за распространения которого товарищ вокалист вынужденно покинул судно...
*Понятно, что самым привлекательным элементом, притягивающим мотыльков на свет, является именно Боззио. **Эта же хитрая личность довольно сдержанно отзывалась об основателе Mahavishnu Orchestra, говоря что-то о внушительной технике, автоматных очередях и нестабильных композиторских способностях. ***Усомнившиеся да не усомнятся более и проследуют в направлении Fredrik Thordendal’s Special Defects и ряда композиций основного его проекта. ****Заппа же отдал предпочтение другому опытному образцу, утверждая, что остановился бы всё же на SynthAxe, если была бы в конструкции предусмотрена регулировка угла и высоты грифа. *****Зря, что ли, завершающая композиция названа в честь одного из эпизодов Star Trek, а уж сам альбом…
После некоторых размышлений о форме своих обзоров музыки я метался то к варианту профессионального (насколько это возможно) разбора звука , инструментов, темпа, отсылок к истории жанра и анализа всех составляющих. Но справедливо рассудил, что оставим это профессионалам. Я же буду вести свой отчет с обывательской точки зрения, по нашему, по-простому. В конце концов настоящих музыкальных гурманов не так уж и много, и я им , конечно не являюсь. Однако на главный вопрос: как это звучит, я вам поведаю... А поведаю я вам о новом альбоме Arctic Monkeys
Arctic Monkeys — британский инди-рок квартет из Шеффилда образовался в 2002 году, но с выходом первого же полноценного альбома попал сразу с корабля на бал. Их взлет был головокружительным и стремительным. Причиной такого успеха стал Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006). Альбом был обласкан вниманием и всеобщим одобрением, его тут же нарекли одним из важнейших британских альбомов ever. Однако мартышки не сидели сложа руки, почивая на хлынувшей на них славе, они упорно работали, участвовали в различных концертах и успели выпустить с 2006 по настоящий момент 4(!) студийных альбома — завидная плодотворность. За первым успехом последовали вышедший в 2007 Favorite Worst Nightmare и Humbug (2009) — эти альбомы были успешными и демонстрировали недюжинный талант их создателей, хотя такого взрыва и успеха как Whatever People Say I Am, That's What I'm Not они, конечно, не достигли. И вот в 2011 вышел уже четвертый альбом от скорострельных мартышек — Suck It and See, название переводить не буду)
Продюсером новой работы снова стал Джеймс Форд (James Ford), уже работавший над двумя предыдущими пластинками Arctic Monkeys. Как описывают сами музыканты, «Suck It And See» является смесью трех предыдущих альбомов, поясняя, что в его записи они добились баланса лирики и музыки.
Признаюсь, для меня Arctic Monkeys были темной лошадкой и поклонником их творчества я уж точно не был. Humbug мне не особо понравился, он был довольно мрачноватым и тяжелым, хотя талант музыкантов чувствовался явно. Однако игнорировать их новый альбом я просто не мог, коллектив заслужил себе очень хорошую репутацию и любой их новый проект сразу становится мастхев. Запуская первую песню She's Thunderstorms я уже приготовился внутренне к тяжелому и мрачному звучанию и причины на то были очень весомыми: вышедшие раньше синглы «Brick By Brick», и «Don’t Sit Down cause I Moved Your Chair» настраивали на грозный лад, стоит отдать должное парням из Arctic Monkeys за грамотный выбор синглов, которые не раскрыли альбом раньше времени; однако вместо этого встретил легкую, позитивную мелодию и вокал. Я даже поначалу подумал, что включил не то, однако все было верно — Мартышки решили в очередной раз дать непохожую на остальное творчество работу. В отличие от Humbug, новый альбом нравится сразу, в него не нужно вслушиваться, ища местечко в сердце, он с первых же секунд врывается туда. Если вам не понравились по каким-то неведомым причинам первые минут 20 , то не пытайтесь слушать и дальше, видимо это не ваша музыка — такой совет я могу вам дать.
Открывая альбом She's Thunderstorms одновременно задает общее впечатление и тон всему альбому. Он получился очень летним, светлым, легким, с нежной мелодией и в то же время сохранил уже фирменный стиль Мартышек, его легко узнать. Причиной во многом этому является солист группы Алекс Тернер, в Suck It and See его вокал окончательно становится зрелым. Слушать его спокойный, уверенный голос очень приятно, даже если убрать музыку, а уж с учетом инструментов, с которыми у Arctic Monkeys никогда не было проблем, это превращается в праздник для слуха. Black Treacle продолжает настроение первого трека своим легким звучанием. А вот Brick By Brick уже более агрессивен и энергичен, при этом музыканты здорово меняют тембр, мастерски то замедляя его, то ускоряя, при этом в целом Brick By Brick остается все такой же легкой по звучанию. Пятый трек The Hellcat Spangled Shalalala является одним из самых сильных в альбоме, идеально сочетая и некоторую неспешность, и энергичность, и задорный голос Тернера. А вот Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair скорее напоминает трек с Humbug, он отличается от предыдущих по настроению и мрачноватому вокалу, хотя и здесь припев здорово разбавляет тоску. Library Pictures также как и предшествующий трек напоминает предыдущие работы , а поклонники забойных ритмов явно сохранят эту песню в своем плейлисте, эта песня является своеобразной границей , разделяющей альбом на две части, первая традиционно энергичная, а вторая более задумчивая и спокойная. В песне «All My Own Stunts» британским рокерам помогал Джош Хомме (Josh Homme), приглашенный в качестве бэк-вокалиста; эта песня запоминается по безумному (в смысле — класному) и крышесносящему вступлению, так и хочется вырезать этот кусочек и отдельно переслушивать. Reckless Serenade — трек намбер 8, в нем во всей красоте выступает Алекс Тернер — музыка здесь отступает на второй план, поддерживая нежный и спокойный вокал Тернера. Piledriver Waltz во многом похожа на предыдущий трек, также уверенный и ритмичный вокал Тернера на первом плане. Love Is A Laserquest -очередной нежный трек, правда в отличие от Reckless Serenade темп здесь более неспешен, а голос Тернера более задумчив. В заглавном треке, давшем имя альбому Suck It And See вокал и музыка находятся в строгом равновесии, но сама песня неспешна и спокойна, хотя если судит по названию, то можно было ждать более забойного и задорного звучания. That's Where You're Wrong — финальная, двенадцатая песня порадовала меня отличным балансом и темпом и стала достойным завершением.
Что же мы имеем в итоге? Если субъективно, то это лучший альбом Arctic Monkeys, в котором они выступают не как новички и выскочки, а как уверенные в своих силах мастера, чье творчество надолго останется в памяти. В этом альбоме музыканты, как и обещали, сумели взять все лучшее из предыдущих альбомов и добиться баланса в музыке и вокале. Пожалуй этот альбом из породы тех, про которые потом говорят как вершину, расцвет творчества. Остается только пожелать этому самобытному коллективу, чтобы эти золотые годы растянулись на еще долгое время. Объективно же, то это очередной шаг вперед в творчестве и займет видное место в биографии Arctic monkeys. Группа постоянно экспериментирует и не боится менять звучание, причем с завидным постоянством удачно. Как я уже упоминал, альбом получился летним и светлым по настроению с окончательно окрепшим и уверенным вокалом солиста Алекса Тернера. В альбоме много хитов, которые можно порекомендовать широкому кругу людей. Это и She's Thunderstorms, и Black Treacle, и Brick By Brick, и The Hellcat Spangled Shalalala, и Reckless Serenade. Да в принципе почти каждую. Эту музыку здорово слушать как в машине или в дороге, так и дома, как в большой компании, так и в одиночестве. Жаль конечно, что по нашему радио не крутят таких исполнителей как Arctic Monkeys, предпочитая дешевые однонотные "хиты", хорошо есть Last.fm, который угодит каждому. В целом же могу порекомендовать этот альбом для ознакомления с творчеством Arctic Monkeys тем, кто не слушал еще их музыку, потому что обновленная музыка не стала изобретением велосипеда, это развитое звучание с предыдущих альбомов, музыка Мартышек остается самобытной и узнаваемой.
Идею написать что-нибудь для музыкальной колонки я, не стану скрывать, вынашивал давно. Однако, чтобы воплотить её во что-то конкретное всякий раз находились такие причины, которые и причинами именовать неловко, а стоит называть прямо и честно – отговорки. Недостаток времени, сил, желания… неудачное расположение звезд на небе и всё такое прочее. И кто знает, может быть мой замысел так и остался бы не обличенным в плоть строк, если бы не случай. Случай, тривиальный до безобразия.
Я не буду акцентировать на нем внимания, позволю себе лишь краткую ремарку – Мироздание такая штука, с которой можно договориться, было бы желание.
Ну да оставим эту философскую тему и перейдём непосредственно к теме нашего разговора.
Ранним солнечным утречком (часа этак в два дня) я взялся за написание этой статьи. Но, открыв редактор, осознал – я не знаю о чем писать! Панове, можете вы представить себе подобное? Не знаю! Абсолютно!
Первоначально мне хотелось выдать здесь небольшой обзор на тему славянского фолка, от аутентичного до экстремально-металического, тем более, что буквально накануне мне удалось заполучить несколько новинок, но потом я прикинул, что фолк-музыка на ФантЛабе особым вниманием не пользуется и эту идею пришлось отложить. Не скрою, мне жаль – ибо я фолк люблю, да и дайджесты моя любимая форма подачи информации (натаскан-с!)
С другой стороны, doom, death или thrash с power’ом, пользующиеся у наших меломанов популярностью, для меня представляют темный лес. А блуждать в потемках мне вовсе не хотелось.
Зацепившись за метафору с лесом, я решил было черкнуть статейку про black metal, ибо не одинок в симпатиях к данному жанру и уже наметил альбом, о котором хотел бы поговорить, но что-то отвратило меня от этой задумки.
Примечание Хэймлета, принца датского: Да, таков уж он, автор – капризен и непоследователен!
В общем, в результате всех моих метаний, я всё-таки решил остановить свой выбор на недавно вышедшей пластинке группы Omega Lithium – Kinetik, тем более что уже имел честь представить здесь их сингл. Да и вообще, так выходило, что группа стабильно держалась в поле моего зрения (хотя я не прилагал к этому никаких усилий) ещё со времен их дебюта.
Итак…
Mya и Malice на обложке журнала Zillo
Alt+3…
Artist: Omega Lithium
Album: Kinetik
Year: 2011
Genre: gothic industrial metal
Kinetik
Рискуя навлечь на себя гнев музыкантов (впрочем, они вряд ли почитывают эту колонку), скажу, что Omega Lithium казалась мне группой второго эшелона, работающей в стиле, где все возможное уже давно было сыграно и спето, все золотоносные жилы выработаны, а новые горизонты открыты раз по пять. Я имею в виду gothic metal.
Клип на песню с их дебютника только укреплял меня в таких размышлениях. Да сыграно было на уровне, но только что – в Stigmata начисто отсутствовало что-то, чтобы позволило зацепиться вниманию. Обычная такая готика с тяжелыми гитарами и россыпями клавишных (женский вокал – ведущий, вкрапления рыка гитариста прилагаются). Не стоит внимания, решил я, и махнул на Dreams in Formaline рукой.
А вот на Kinetik махнуть рукой уже не получилось. Хотя, кто знает, как бы все вышло, если бы я слушал диск с начала, потому что начинается он достаточно вяло. Но я по привычке залез в середину, о чем ничуть не жалею.
Да, начинается Kinetik достаточно вяло – орган, хоралы, негромкий женский голос, поющий о чём-то неизбывно печальном. Сознаюсь, я испустил вздох разочарования.
И совершенно зря! Потому что всему этому готическому безобразию, набившему оскомину ещё давным-давно, был положен быстрый и решительный конец. Грохот барабанов разорвал хоралы, а гитарные запилы зашвырнули обрывки куда-то далеко-далеко. И в появившемся голосе очаровательной Миа Мортенсен не осталось и следа от готической куклы.
Готика закончилась, не успев начаться – её железной рукой отстранил industrial. Тот самый, с непременными маршевыми барабанами в четыре четверти и гитарой с понижением на шестой струне. Если поначалу у меня ещё оставались какие-то сомнения, то уже третий трек, Strip me, развеял их.
Впрочем, до Strip me был ещё Dance with me – наишикарнейший трек, на который Omega Lithium сняли сумасшедше-красивый клип, истинное визуальное пиршество. Чего стоит одна только Миа, с неподражаемым очарованием сочетающая в своем образе черты Лаймы Вайкуле и Андреаса Берга!
Дальше – больше. Не отвлекаясь больше на танцы (если только встревоженных машин) локомотив под названием Omega Lithium набирает скорость и мощь, а если и делает передышку, то только чтобы через мгновение взорваться снова. Простая, но качевая риффовка, четкость барабанных партий, драйв и напор – всё это заставляет вспомнить более именитых коллег молодых хорватов, шестерку из Таранного камня, в лучшие годы. Но не о каком заимствовании речи не идёт, совершенно очевидно, просто некоторые ходы в музыке у групп совпадают.
Основную часть альбома можно характеризовать парой слов: ритмично и увесисто. При этом удивительно, как из простых вроде бы, как детские кубики, элементов музыкантом удается делать свой саунд. То ли дело в электронике, которая сшивает всё воедино, то ли в вокальных данных Миа – я затрудняюсь ответить. Но то, что у других групп приелось бы к третьему, максимум – пятому треку, у Omega Lithium выглядит вовсе не надоедающим.
Отдельно хотел бы сказать про вокал. Как-то я высказывался, что вокальные данные Миа Мортенсен, в общем-то, звезд с неба не хватают. Должен констатировать, что в этом я дал маху – да, голос у неё не устремляется в заоблачные дали, но красоты и силы ему не занимать (на этом альбоме, к сожалению, ей не дали развернуться, но вот если послушать, допустим, трек Nebula с альбома предыдущего). И, что лично мне безумно нравится, он живой, в нём чувствуются эмоции.
Впрочем, вернемся к нашему поезду.
К Breaking кажется, что музыканты подустали и устроили себе передышку – барабанщик ещё нет-нет да громыхает в бочки, а вот гитарист уже больше прикидывается, что присутствует, зато открывается раздолье для электроники (за неё, кстати, отвечает тот же гитарист Малис).
Однако следующий же трек опровергает – они вовсе не выдохлись, просто локомотив прибывает к перрону и сбрасывает скорость. Действительно, в заключительной части альбома Omega Lithium сбавляют обороты и, если Cut Forget, ещё прикидывается бодрым маршем (к тому же, тут снова проявляет свой талант Миа), то две заключительные песни уже совсем минорные и в гитарных партиях уже нет былого колючего драйва. Зато в последней песни есть то, чего я ждал с затаенной надеждой – припев Миа всё-таки исполняет на хорватском. Красивый язык, скажу я вам, только какой-то печальный.
В завершении хочу сказать, что альбом однозначно удался и, на мой взгляд, его стоит послушать, особенно – если вы любите в свободное время ходить строем. Ну, или цените красивый женский вокал, техничные гитары и маршевые барабаны в – непременно! – четыре четверти. Или, если вам нравятся блондинки.
Если же вам нравятся брюнетки, а в музыке вы, прежде всего, цените оригинальность и самобытность – ну… тоже попробуйте послушать этот диск. Кто его знает, вдруг оцените. Да и хорватский мало где услышишь, а язык красивый.
Вот уже второй год подряд я никак не могу дослушать дискографию американской треш банды Megadeth под предводительством Дейва Мастейна. Причины пробуксовки были разные. В начале отвратный дебютник несколько охладил желание слушать, надежду вселила лишь замечательная Looking Down the Cross, остальное пространство занимали бесконечные гитарные запилы ради запилов. Однако, в целом раннее творчество пришлось по вкусу, и к своеобразному вокалу быстро привык. Залихватский треш с небольшой примесью панка и харда, конечно не может тягаться с тремя шедеврами группы Metallica написанными в тоже время, но оказавшимися куда более продуманными и сложными композиционно, а по части злости и скорости их уже обошли Slayer. Но в целом группа Мастейна заняла свою нишу и держалась весьма достойно, записав множество действительно мощных и хитовых песен. Теже My Last Words или In My Darkest Hour, меня лично пробирают. Не говоря уж о просто крутых боевиках вроде Set The World Afire, Peace Sells и многих других.
Следующей остановкой было творчество 90-х. Настолько оно мне полюбилось, что дальше слушать, я не торопился. В пору, когда треш пришел в упадок, и все банды, играющие в этом направлении, заметались в поисках себя и почвы под ногами, пришло время Megadeth. Отойдя от чисто трешового звучания, группа заиграла просто замечательную и самобытную музыку, что причислять ее к какому то жанру как-то неловко. Понятно, что это смесь рока, heavy, трешовых риффов и чего-то еще, но главное, что она брала за живое и не отпускала, а уж если читать тексты, то и заставляла испытывать бурю эмоций. Да на A Tout le Monde вообще можно слезу пустить. Альбомы Countdown to Extinction и Youthanasia я считаю шедеврами тяжелой музыки. И вот после славных 90-х я включил альбом 2001 года. Через пол часа выключил и о группе не вспоминал долгое время. Подумал, что может пресытился, надо отдохнуть. Но нет, прослушав его, понял, что он наполовину просто невнятен, не музыка, а каша, о чем писал тут. Это конечно, не умаляет ценности хороших песен, но все же портит от них впечатление.
И вот, наконец то добрался до 2004 года. Открывашка Blackmail The Universe, почти убила во мне надежду. Опять каша из запилов, невнятного пения и каких-то голосов. Но более-менее обошлось. Мастейн выдал ряд действительно хороших, хитовых песен, с добротными запоминающимися припевами. Die Dead Enough, Kick The Chair, The Scorpion — вот представители творчества конца 90-х. Вполне могли оказатся на Risk или Cryptic Writings. Так же радует ностальгическая Back In The Day, представляющая метал как стиль жизни. Но даже здесь, чувство меры порой отказывает Мастейну и он начинает беспощадно пилить, забывая, что любой музыкальный ход должен иметь свой смысл. Теперь я ясно понимаю, как не хватает группе гитариста Марти Фридмана. Остальные песни альбома не то чтобы плохие, но в основном откровенно проходные номера, а уж My Kingdom просто недоразумение. Лишь по третьему прослушиванию выявил добротные Tears In A Vial и Something That I'm Not.
В итоге группа записала несколько действительно достойных и интересных песен, а остальное место на пластинке заполнила, так же как и на прошлом альбоме, проходным материалом, который можно и не слушать. Фридман в группу так и не вернулся, но следующие альбомы в основном хвалят. Что ж буду двигаться дальше.
облако тэгов
