Обзор альбома Leafblade — The Kiss Of Spirit And Flesh (дата релиза — май 2013)
Leafblade — проект гитариста и композитора Anathema Дэниэла Кавана (Daniel Cavanagh), в тандеме с его старым другом Шоном Джудом (Sean Jude). О первом альбоме проекта — Beyond, Beyond — я уже восхищенно отзывался ранее. Это был образцово-показательный акустический фолк-рок, с некоторой долей шаманизма, восславляющий природу через красивые поэтичные песни, написанные достаточно давно и в разное время Шоном Джудом, ну а Дэнни отвечал за музыку. Конечно, за годы постоянного переслушивания альбом, несмотря на своё качество и приятность, успел уже приесться. И второй LP не заставил себя долго ждать.
Если дебютный альбом тяготел больше к дарк-фолку, причём имел отличительно высокое для такого жанра качество записи, то второе творение — дань уважения истокам группы Anathema, жанру doom metal. Конечно же, это никакой не дум в чистом его виде, лиризм и акустика, свойственные фолк-року, никуда не делись, но засчёт глубоких и слегка грязных риффов электрической гитары атмосфера олдскульного дума пронизывает весь альбом. Под дебютник можно было тихо и мирно лежать на травке, смотреть на птичек и деревья, думать о неизменном течении времени, или же смотреть в окно на хлопья первого ноябрьского снега, возвещающего приход зимы. Философское задумчивое настроение было, но не в такой концентрации и не с такой глубиной, как на The Kiss Of Spirit And Flesh. Второй альбом — это путешествие вглубь чащи. Но и не только это! В некоторых композициях слышатся неслабые оттенки старого-доброго классического рока, как, например, в Thirteen. Гнетущая и глубокая атмосфера дума разбавляется неспешными спокойными пассажами акустической гитары, а также динамикой бодрого и качественного рока — так что, альбом получился намного эклектичнее и разнообразнее, чем Beyond, Beyond. Даже дань уважения дебютнику проекта — выполненная в его лиричном стиле красивейшая полностью акустическая композиция Beaneath A Woodland Moon превосходит по уровню многие песни из Beyond, Beyond. Вещи на The Kiss Of Spirit And Flesh также стали более комплексными, например, завершающая Portrait — развивающаяся десятиминутная композиция, начало напоминает спокойные умиротворяющие наигрыши в Beyond, Beyond, а затем происходит развитие засчёт появления динамики прогрессивного рока. Настроение очень схоже с ранней Anathema, но музыка не такая брутальная и тяжёлая, а больше тяготеет к размеренности и мелодике.
Сайд-проект Leafblade во втором альбоме шагнул дальше. Он не лучше и не хуже дебютника — он просто немного другой. Комплекснее, разнообразнее, эклектичнее, динамичнее, более взрослый, более глубокий. И индивидуальность звучания Leafblade никуда не делась. Я тут увидел качественное, вдумчивое развитие. Будем надеяться, что дуэт Шона Джуда и Дэнни ещё порадует своими работами, причём, хотелось бы, чтобы Дэнни уделял проекту больше внимания, чем продолжению спорных изменений в звучании Anathema.
В комментариях к статье коллеги Fadvan-а зашла речь о простоте формы. Это навело меня на мысль: а какой же жанр в музыке можно назвать самым простым по форме? Можно, конечно, назвать эмбиент или минимализм (как бы, само название намекает). Но это жанры, скорее, не столько простые, сколько упрощенные. Для них, упрощение формы – это, можно сказать, самоцель. То есть, в итоге-то – все равно надуманной оказывается эта простота. Нет, в поисках настоящей, природной и естественной простоты следует обратиться к народной традиции, к фолк-музыке.
Но фолк, как и любой жанр, который еще жив и умирать не планирует – на месте тоже не стоял. Да и до сих пор не стоит, отличным доказательством этого может послужить недавняя статья коллеги Мэлькор-а, в которой, в частности, рассказывается про два авант-фолковых альбома родом из 21 века. Это тема благодатная, сейчас довольно-таки немало подобной музыки продолжает выходить, но настоящие прорывы в фолке, все-таки случились в 60-70-ых годах прошлого века. Даже если пройтись только по самым громким именам – Боб Дилан, Нил Янг, Джони Митчелл, Вэн Моррисон, Берт Джанш, Джоан Баез – это все фигуры для фолка ключевые. Они заложили основы фолка современного, который оглядывается не только на народную традицию, но и на рок-музыку, на блюз, на джаз, на городскую романтику. Не принижая заслуги вышеперечисленных дам и господ, все же стоит отметить, что дальше речь пойдет совсем не о них. Дальше речь пойдет о музыкантах, которые уничтожали шаблоны и не боялись идти на эксперименты даже больше, чем это делали самые громкие имена фолка. Отчасти поэтому, они не настолько известны и популярны. Потому что они творили с той самой исконной простотой такие вещи, о которых и подумать-то бывает страшно.
Из всей троицы, чего-то напоминающего популярность, причем популярность не культовую – достиг только Ник Дрейк. Да и то, посмертно. При жизни, популярность его избегала настолько устойчиво, что и поверить-то сложно. Провал его второго альбома Bryter Layter (1970) загнал музыканта, который и так был интровертом, в глубочайшую депрессию. Как говорил его близкий друг и коллега Джон Мартин: “Ник – это самый отстраненный человек, которого я знаю”. Вообще, всем людям, которые все еще считают, что депрессия – это все бред и несерьезно (а таковые есть и немало), стоит ознакомиться с историей жизни Ника Дрейка. Все-таки, особо углубиться тут у меня не выйдет, место для этого не подходящее.
Достаточно сказать, что каким-то невероятным усилием, то ли воли, то ли чего-то еще, но Дрейк вынырнул на метафорическую поверхность ровно на два дня, во время своей трехлетней борьбы с депрессией. За эти два дня он записал альбом, который и сделал его легендой, со временем.
Первые два альбома — уже упоминавшийся Bryter Layter и Five Leaves Left (1969) – они, конечно, очень хорошие альбомы, но такого фолка тогда немало было. Особенно, такого как Bryter Layter – смешанного с барочным попом, с богатыми аранжировками, даже саксофон и флейту там Дрейк использовал. Чем уникален альбом, который мы рассматриваем здесь, так это тем, что на нем Дрейк (которого, конечно, уже абсолютно перестало волновать общественное мнение) совершил смелейший шаг. Он выкинул все, что на его взгляд, мешало его музыке. Оказалось, что его музыке мешает все, кроме его вокала и его акустической гитары. Ну и плюс, на одном треке он все-таки использовал фортепиано. И это решение, в то время как искусственное (и не только) усложнение правило бал – это оказалось поистине решение гениальное.
При этом, как я уже отметил, самого Дрейка это все волновало мало. Он просто хотел сказать последнее слово. Сказать его так, как он чувствовал. И Бог ты мой, как же он его сказал. Акустическая гитара, которая в руках Ника всегда звучала как-то сказочно, тут, несмотря на все ту же нежность, звучит уже совсем трагично, каждый аккорд буквально переворачивает душу. При этом, кстати, я смело могу назвать Ника виртуозом гитары. Он не занимается дешевым шоуменством, но играет кластерные аккорды так легко и ненапряжно, как их на гитаре вообще никто не играл. Даже Берт Джанш, во многом вдохновивший Ника. Вокал Дрейка, в котором временами можно было услышать улыбку – стал полностью отстраненным и меланхоличным. И ведь, как оказалось, именно так его музыка и звучит лучше всего. Именно этого отчаянного аскетизма ему и не хватало.
При этом, ни о какой депрессивности, о которой любят рассуждать критики, тут речи не идет. У критиков, почему-то, всегда есть такой пунктик – они везде находят депрессивность. Да, Дрейк уже не верил в себя, не верил в будущее для себя, не верил, что для него еще что-то осталось в этом мире. Но при этом, он сумел создать альбом, который сочится жизнью и солнцем. Да, жизнь тут с привкусом горечи, а солнце, временами, затмевается тучами. Но ведь так оно и бывает, да так оно и должно быть на самом деле.
Резюме – созданный минимальными средствами шедевр, альбом записан во время глубочайшей депрессии, но при этом умудряется звучать жизнеутверждающе. Если любите светлую грусть – слушать обязательно. Если любите фолк и до сих пор не слышали Дрейка – исправлять срочно.
Пара треков на пробу:
Исполнитель:Tim Buckley Альбом:Lorca Жанр:Avant-Folk, Avant-Garde Jazz, Psychedeliс Folk Год:1970
От одной трагической фигуры – к другой, не менее трагической. Впрочем, несмотря на весь неоспоримый трагизм жизни Тима Бакли, этот альбом был создан на пике его творческой карьеры, когда он творил самозабвенно и отчаянно. По креативности ему равных было очень немного. Позже, его, как и Дрейка, коммерческие неудачи довели до кризисной точки – он начал делать альбомы, ориентированные на успех в чартах, а когда и они этого самого успеха не принесли… ну да, впрочем, ладно. Хватит о грустном.
Начал свою карьеру Тим не как какой-то революционер, а как обычный фолковый автор-исполнитель, которым ничем особым, кроме красивого голоса не выделялся. Впрочем, уже начиная со своего второго альбома, Goodbye and Hello (1967) он начал добавлять в свой фолк психоделичные нотки. Особенно это заметно на композиции Phantasmagoria in Two, которую, даже не смотря на его дальнейшие подвиги, я считаю лучшей песней Бакли. Впрочем, по-настоящему революцию он совершил на своем следующем альбоме, Happy Sad (1969), где он добавил к фолку и психоделии джазовые структуры. Первый трек того альбома, Strange Feelin’ – это вообще был полукавер знаменитой композиции Майлза Дэвиса – All Blues. Happy Sad, в целом, можно назвать лучшим альбомом Бакли, на нем он совершенно не допустил композиционных ошибок, на нем ему удалось реализовать все свои идеи в полной мере, при этом реализовать их так, что альбом слушается легко и свободно. Happy Sad – он воздушен, он дышит, как дышит Astral Weeks уже неоднократно мною помянутого Моррисона.
Но я не могу назвать Happy Sad самым его смелым альбом. А если уж я условился говорить про необычный фолк, то и говорить у Бакли следует про его пятый альбом – Lorca.
Стоит отметить, что Бакли к своим поклонникам относился… ну, не очень-то он их любил, скажем, так. И Lorca, помимо выхода бешеной творческой энергии – это еще и испытание поклонников на прочность. Учитывая, что немалую их часть он уже отпугнул своими экспериментами на Happy Sad, такой шаг иначе как смертельным для карьеры не назовешь.
На Lorca Бакли окончательно избавляется от традиционной песенной поп-формы. Более того, он перестает вдохновляться более-менее традиционным джазом и обращается к джазовому авангарду, в котором к тому времени, уже произошло немалое число своих собственных революций. Не отказывается он и от традиционной психоделии, хотя, в общем-то, традиционной ее не назовешь, психоделия у него ненормальная даже по самым широким стандартам.
В итоге, альбом вышел настолько неудобным для слушателя, насколько просто можно представить. Слушая его в первый раз, можно от злости выключить альбом на первых же его минутах. Но со временем, вся его скрытая красота все-таки раскрывается.
Это красота далеко не та красота, которой славится фолк-музыка. Это красота не совсем природная, в этом сомнений быть не может. То, что она сконструирована – слышно сразу. Но сконструирована она на высочайшем уровне, даже несмотря на то, что Бакли на этом альбоме предстает перед нами, скорее как безумный ученый, чем осторожный архитектор.
Музыкальные решения Бакли на этом альбоме даже немного пугают. Ведь временами, атмосфера альбома реально наводит на мысли о каком-нибудь сумасшедшем доме XIX века, куда заключили какого-нибудь спятившего композитора. Электрическое пианино нервно переминается с ноты на ноту. Контрабас то нерешительно шепчет что-то, то ревет как медведь. Но самый главный музыкальный инструмент, который на протяжении всего альбома меняет все настроение и всю окраску альбома, и меняет не один раз – это голос Бакли. Сам Бакли считал именно голос своим главным музыкальным инструментов, и как показывает его вокальная работа на Lorca – он далеко не зря так считал. Просто для примера, в зависимости от выбранного момента, можно сравнить его вокал с такими разными вокалистами, как: Сид Барретт, Вэн Моррисон, Рой Орбисон, Скотт Уокер. Хотя, на самом деле, Бакли-то и не нуждается во всех этих сравнениях. Он сам по себе.
Проведу напоследок неожиданную параллель. Когда у Дрейка в жизни все было очень даже погано – он записал жизнеутверждающий альбом. У Бакли же, во время записи данного альбома… ну, не все радужно было, но в целом – нормально. И он записывает такой мрачный альбом, которого у него ни до, ни после уже не было. Из разряда – путешествие по самым мрачным глубинам познания. При этом не сказать, что альбом пессимистичен. Пессимизм, оптимизм – это все вообще чужие слова тут. Тут глубина иная, глубина, которой мало кто достигал. Если взять хоть того же Мэтта Эллиотта, про которого писал коллега Мэлькор и сравнить с этим альбомом – его музыка сразу покажется счастливой и нормальной, в смысле – близкой к нормальному фолку, к нормальным структурам, к нормальным настроениям. Это при том, что он тоже бесспорно авант-фолковый альбом.
Резюме – фолк-альбом, который, во многом-то, уже и не фолк совсем. Джаз – но и не джаз. Крайняя станция на пути следования в никуда. Бакли сумел удержаться на краю бездны, но понравится это его балансирование – далеко не всем.
Пара треков на пробу:
Группа:Comus Альбом:First Utterance Жанр:Avant-Folk, Psychedeliс Folk Год:1971
Если Lorca – это мрачный альбом, который чем-то напоминает бред сумасшедшего профессора, то First Utterance – это шизофренические грезы потенциального маньяка. И это хорошо, если только грезы и если только потенциального. На хитовой полушаманской открывашке Diana – очень ярко и без прикрас живописуется погоня по лесу за упомянутой в названии Дианой. C последующим, чего уж греха таить, изнасилованием. На центральной для всего альбома композиции Drip Drip, протагонист песни, кого-то очень жестоко пытает, радостно при этом приговаривая: “I’ll be gentle!”. Песня под стать – переходит от спокойного вступления к убойным и жестким проигрышам на акустической гитаре и скрипке. И, чтобы использовать еще один показательный пример, завершается альбом песней The Prisoner, в которой повествуется об ужасах шоковой инсулиновой терапии.
В общем, я думаю, что понятно, что альбом – это не путешествие в светлый мир, полный добра, равенства, и братства. Конечно, сейчас, когда уже многим знакомы тексты брутал-дэтовых и грайндкоровых команд – подобными темами никого не удивить, но тогда, в начале 70-ых… Короче говоря, я думаю, что читатели этой статьи заметили некий тренд, который я уже отмечал, когда говорил про Дрейка и про Бакли. Я имею в виду, что популярности группа не заимела. И вскоре после выхода альбома – развалилась. Если принять во внимание тексты – то оно и неудивительно, что не заимела.
Да вот только и музыка-то тоже – совсем не располагала к массовому поклонению. Мрачность в ней абсолютно под стать лирике. При этом, не сказать, чтоб тут были такие же, например, сложные структуры, как у того же Бакли. Тут музыка скорее животная, ну или музыка сердца, если угодно, чем музыка холодного разума. Но в то время как Дрейк упрощал форму, возвращаясь, в каком-то смысле к истокам, в то время как Бакли форму усложнял, используя концепты и структуры реально мозголомные, но хотя бы уже существующие, Comus делали нечто совсем иное. Они, на чистой интуиции, на чистом кураже изобретали новый вид фолка.
Он не менее густо замешан с психоделией, чем фолк Бакли, вот только психоделия тут очень другая. Она одновременно кислотная – и в то же время очень лесная. Вообще, лес в музыке Comus очень сильно чувствуется, и лес этот, конечно, далеко не тот, в котором танцуют эльфы. Тут, скорее, пьяные сатиры и ведьмы около котлов. Причем, это можно утверждать, даже если оставить в покое уже неоднократно мною помянутые тексты. Исключением, да и то отчасти, можно назвать только самый красивый и спокойный трек на альбоме – The Herald. Нежная гитара, флейта, спокойная скрипка, и поистине ангельский женский вокал.
Но это именно что исключение из правил. Если взять ту же упоминавшуюся выше Drip Drip – там скрипка уже совсем не спокойная, а вместе с гитарой выплетает фламенкоподобные ритмы, а мужской вокал – вообще чистый крик, даже можно сказать – крик души. Кстати, нельзя не упомянуть, что большой фанат Comus и лидер группы Opeth Микаэль Акерфельдт, назвал свой третий альбом (My Arms, Your Hearse) в честь одной из строчек этой песни. Или вот композиция The Bite, которая звучит, не менее яростно, чем Drip Drip, но за счет более короткого хронометража умудряется даже больше вогнать в ступор. Вообще, альбом несмотря на свой магнетизм, можно даже назвать уродливым, но, при этом, уродливым именно нарочито.
И вот, хотя формально, группу и можно отнести к психоделичному фолку, но почему-то она на этот самый остальной психоделичный фолк не похожа совсем. Группа опередила свое время, причем, судя по всему, тоже самое можно было бы сказать про музыку Comus, даже если б этот альбом вышел в 2014 году.
Резюме – в данной статье, вообще-то, нет таких исполнителей/групп, которые понравились бы гарантированно всем, но Comus – это вот именно то, что называют – на любителя. В отличие от того же Бакли – это все еще фолк, но это фолк, на котором все выкручено до предела, порой – даже дальше, чем следовало бы. Всем любителям странной и смелой музыки, если они еще не слышали – слушать обязательно.
Обзор альбома Anathema — Distant Satellites (дата релиза 09.06.2014)
После своего кам-бэка в 2010 году с альбомом We're Here Because We're Here, который был просто великолепен, в десятых годах текущего века легендарная группа Anathema стала проявлять большую творческую активность, одновременно претерпевая стилистические изменения в своём саунде и ступая на новую, в чём-то экспериментальную тропу. Причём состав группы начал с большой интенсивностью меняться: сначала в 2011 году ушёл клавишник Les Smith, на замену которому пришёл в 2012 году итальянский мульти-инструменталист Daniel Cordoso, затем, незадолго перед выходом рецензируемого нового альбома, ушёл Jamie Cavanagh (его сменил тоже итальянец Tobel Lopes). Ходили слухи, что Джон Дуглас тоже якобы ушёл, но всё-таки участие в новом творении он принял, сочинил один трек — заглавный Distant Satellites, но в титрах почему-то автором партий ударных многие источники указали того же Даниэля Кордосо. Продюсировал альбом, как и предыдущий Weather Systems, Christer Andre Cederberg, некоторые треки также свёл небезызвестный Steven Wilson.
По моему мнению, дорога, на которую ступили Anathema уже в альбоме 2012 года Weather Systems, достаточно спорна и неоднозначна. Альбом 2010 года We're Here Because We're Here всё ещё сохранял мягкость, чувственность и эфемерность Анафемы конца 90-тых — начала 00-ых годов, однако подал этот фирменный почерк под новой, позитивной и оптимистичной парадигмой. А вот уже с Weather Systems начались изменения. В чём же? Во-первых, раньше, до 2012 года, альбомы Анафемы были по настроению, более ли менее, однородны. Единая концепция, как идейная, так и стилистическая, пронизывала альбомы целиком. Начиная с Weather Systems, появилось расслоение и высокий контраст между позитивными песнями, даже я бы сказал слишком позитивными, и песнями, полными боли, метаний, отчаяния — то есть, по большей части негативных чувств. Звучит как-то весь альбом от этого совершенно неорганично — вот тут любовь, счастье и все дела, а дальше боль и печаль. Во-вторых, стало больше вокалистки Ли Дуглас. Если раньше она лишь дополняла голос Винсента, и больше пела на бэк-вокале, то теперь берёт ведущие партии во многих песнях и соревнуется с Винсентом на равных. Да и сами их голоса изменились — мягкость, приглушенность и чувственность их вокала, что мне так нравилось в Анафеме, исчезли напрочь, вокал стал чётким, глубоким, напористым и куда более сильным. В-третьих, изменились сведение и мастеринг, аналогично вокалу. Музыка стала слишком резкой и яркой, давящей на голову и чувства. Да и эксперименты в песнях, сочинённых Джоном Дугласом, достаточно спорные — электронные сэмплы стали играть большую, но отнюдь не положительную роль.
Все эти изменения, на мой взгляд, не в лучшую сторону. Хотя почитателей нового звучания "Анафемы" найдётся очень много. Альбом Distant Satellites развивает спорные идеи Weather Systems, всё больше загоняя группу в дебри экспериментов. Группа потеряла чувственность, прозрачность, мелодичность, и променяла их на на напор, контрасты, чёткость и сильное воздействие на слушателя. Из-за этого сильного воздействия переслушивать последние два альбома совершенно не хочется, когда как Judgement можно заслушивать до дыр даже спустя 15 лет.
Обзор альбома Alcest — Shelter (дата релиза 17.01.2014)
Сочинив материал в 2012-2013 годах, французский мульти-инструменталист, а также основатель и лидер проекта AlcestСтефан По (известный больше под псевдонимом Neige — в переводе со французского "Снег") отправился в Исландию для записи своего четвёртого полноформатного альбома. Помимо своего постоянного ударника Winterhalter, на сей раз он заручился поддержкой многих сессионных музыкантов, среди специальных гостей на новом творении были задействованы основатель группы Slowdive (поклонником которой является Неж) Neil Halstead, женский исландский коллектив Amiina, записавший струнные инструменты оркестра (strings), а также множество других участников с известностью поменьше. Запись проходила в студии Sundlaugin, сведение и мастеринг сделал Birgir Jón Birgisson со своими ассистентами.
В своих интервью Neige говорил, что пишет музыку больше для себя, чтобы отразить в ней свой эзотерический опыт, который произошёл в его детстве, это были видения и ощущения другого, запредельного мира, мира, в котором обитает душа. После того, как в 2002 году, сразу после выхода демо (которое было в жанре Black metal), Стефан остался в группе один, он как раз и взял курс на осуществление этого. После переходного EP "Le Secret" первый полноформатник целиком и полностью олицетворял и выражал задуманное. Сочетание шугейзовых гитар с тёплыми пост-роковыми аккордами и приятным вокалом на родном французском действительно доставляло незабываемые впечатления с самого первого прослушивания. Дальнейшие два альбома не сильно отличались по стилистике, продолжая линию развития, взятую дебютником, и претерпели лишь незначительные изменения. Чистый вокал чередовался со скримингом, длинные комплексные композиции — с непродолжительными вставками. Напор и боль сменялись умиротворением и зыбкой красотой. И в этом плане Shelter — это ощутимый шаг вперед в развитии идей Нежа, который оставил неизменным их содержание, а форма стала ещё более совершенной.
Начинается альбом с прекрасного вокального Intro под названием Wings. Стефан говорил, что больше хотел уделить внимания работе над вокалом, и с первой же минуты альбома становится понятно, что своих слов он на ветер не бросал, и действительно добился в этом успехов: мечтательное и эфемерное интро переносит в мир спокойствия и красоты. Затем следует главный хит альбома — композиция Opale, самый, наверное, позитивный и приятный трек Alcest, который не надоедает и после сотого прослушивания, если чередовать его с другой любимой музыкой. Уже на ней становится видно, что шугейз теперь у Alcest менее "пост-блэковый", более мягкий и воздушный, и при этом в наличии все характерные для творчества музыканта черты. Дальнейшие композиции весьма разнообразны, и среди них можно выделить Voix sereines — медленное, и в то же время мощное полотно, мистическую и атмосферную L'éveil des muses, раскрывающую потенциал обновлённого шугейза проекта, заглавный скромный трек Shelter с клавишными, и песню с гостевым вокалом Neil'а Halstead'а — Away на английском языке. А завершается альбом просто его несомненной жемчужиной — эпической Délivrance, в которой вокал, струнные и размытые гитарные саундскейпы растягиваются в зефир на целых десять минут, причём продуманность и развитие композиции при этом не теряется.
Альбом, как и любое новое творение Alcest, был принят весьма неоднозначно, от восторга до ненависти различались впечатления, истинные поклонники пост-блэка оказались весьма разочарованными из-за ухода от металлических клише, скриминга, в пользу более подходящих для такого уровня развития возможностей — атмосферы, мягкости и тёплого всепоглощающего света. И именно засчёт бесспорного для меня шага вперёд новый альбом Alcest "Shelter" становится следующим витком в развитии мастерства Нежа, а также главным релизом 2014 года априори.
Аналогично вот этой статье, решил сделать такую же подборку отзывов, но уже не на книги, а на музыкальные альбомы. Один из этих отзывов, на Пинк Флойд, ранее уже публиковался на загадку в Музыкальной рулетке, но остальные отзывы — публике будут не знакомы.
Надеюсь, что вам подборка понравится. И, конечно, не забываем отписываться в комментариях, мнение других людей по поводу всегда интересно!
Pink Floyd... Эх, да что про эту группу рассказывать? Всё и так уже рассказали, а если не рассказали, то написали или сняли документальные фильмы... А если вам всё ещё хочется узнать про группу побольше, то отсылаю вас к их альбомам. В музыке Пинков то, что они хотели сказать, те чувства, которые хотели донести до нас, та лёгкость, мрачность, сложность построения композиции, которые столь завораживают слушателя, вводя его в транс, а тексты, тексты то!... Ну, вы поняли. Флойдов зачастую ставят на вершину многочисленных топов, в этом им конкуренцию могут составить разве что The Beatles. Давайте честно зададим себе вопрос и честно на него ответим. Заслужили? Безусловно, как никто (кроме разве, что помянутою мною уже Великолепной четвёрки). В-общем, так уж получилось, что Атомное Сердце я до сих пор у Флойдов не слышал. Весь альбом распадается на две крайне неровные части, они же две стороны альбома, если хотите. Собственно, это — верхушка и лучшая композиция альбома одноимённый эпик — "Atom Heart Mother" и всё остальное, которое, к несчастью до уровня первого сильного не дотягивает. Почему не дотягивает, об этом ниже.
Заглавная песня — одно из самых масштабных и длинных творений Флойдов, по длине её опережает только "Shine On You Crazy Diamond", близко примостилась "Echoes", но всё же сзади. Композиция размеренная, спокойная, постепенно развивающаяся. Держим в уме, что в тот период прогрессивные группы очень любили записываться с оркестром — отсюда и духовые, и виолончели, и даже орган! Последний является для меня отдельным бонусом. Но главным плюсом этого инструментала (а это именно он и есть, с небольшими вкраплениями хора) является, то что он нисколько не затянут. Это просто одна песня. Только на 20 минут... Что касается другой стороны диска... "If" — довольно милая, акустическая композиция с вокалом Роджера Уотерса. Но у неё есть один небольшой минус — банальная она. Да, хорошо, да, слушать приятно, но впечатлений после неё практически не остаётся, что уже не очень хорошо, правда? Да и для Пинков всё же не тот уровень. "Summer ’68" — а вот это, пожалуй, самая сильная композиция второй стороны диска. Из сильных сторон мы имеем Ричарда Райта на вокале. Ну, очень он хорош здесь! Ах да, отличный бойкий припев с саксофоном и безумными клавишами (Райт опять же!) прилагается. Психодел, напомнивший чем-то Пинков времён Сида Баррета. А вот дальше идут треки откровенно слабые. "Fat Old Sun"... Она вообще никакая — ноль эмоций. "Alan’s Psychedelic Breakfast", как говорится — "замах на рубль — удар на копейку". Вся это чехарда звуков обыденной жизни, вкупе со слабоватой композиционной составляющей делает своё чёрное дело.
В целом, альбом — профессиональная работа от классиков рока. Не шедевр, конечно, но заглавный трек, впрочем, на это призвание смело претендует. Ну и, конечно, было интересно узнать, как начинали восхождение к вершинам славы уже опытные, "прогрессивные" Флойды. Славы великих психодельщиков они уже успели добиться.
Matt Elliott — Only Myocardial Infarction Can Break Your Heart (2013)
Основа всего — акустика. Я люблю акустику, особенно под настроение, когда хочется чего-нибудь бодрого , но при этом не металла или, наоборот, чего-нибудь мягкого, обволакивающего, даже родного. Ну а ещё, акустическая гитара обычно всегда классно смотрится вставками в самых различных жанрах музыки — от блэка с дэтом до электроники. В этом же альбоме — акустическая гитара, главный инструмент. Да, играют на заднем фоне когда пианино, когда электра голос подаст, когда скрипочки и виолончели? — но всё же настроение создаёт именно обычная шестиструнка. Атмосфера, кстати, очень хорошо создана — мрачная, но отмечу, что не отчаянная, этакий "светлый мрак".
Вокал — вот здесь он однозначно крут. Пожалуй, это самое главное преимущество альбома для меня, и как понимаю поёт здесь именно сам гитарист, Мэтт Эллиот то бишь. Приятный у него баритон, такой вокал довольно редко встречается. А может я просто плохо ищу, фолка же не слушаю почти.
Касательно треков. Мне больше понравились маленькие, смотрящиеся мини-песенками, несерьёзными зарисовками, по сравнению с их более "крупными" братьями. Не могу сказать, что последние плохие. Нет, слушаются они вполне естественно, так первый эпик на семнадцать минут, проходит кажется минуты за три. И это хорошо. Хорошо, когда самые длинные треки оказываются, если не лучшими, то по крайней мере не утомительными и даже отчасти занятными. И всё-таки самые лучшие для меня оказались — "Prepare for Disappointment" и "Again".
В целом, альбом понравился. Не сказать, чтоб очень, но признать не не могу — сделано мастерски, аранжировки, музыка, атмосфера — всё на высоте. По моему, это достаточный аргумент, чтобы с альбомом ознакомиться.
Как сказал однажды Клинт Иствуд: "Не так много сугубо американских жанров и видов искусства, исключение составляют только вестерн, джаз и блюз". Он, конечно, утрирует, но не сильно и сказал-то, в целом, хорошо и правильно. Только детальку он одну позабыл. К исконному американскому я бы ещё и кантри отнёс.
Вообще, альт-кантри довольно сильно отличается от своего родителя — "обычного" кантри, оно более экспериментально и более новаторно в музыкальном плане. Дэвид Юджин Эдвардс для меня очень интересный человек, наравне с ним по интересу разве что Джонни Кэш будет. Он делает не только музыку занятную, но и при этом чем-то цепляющую, с каким-то нервом и чувством, что для любой музыки залог успеха и любви.
Но вернёмся к Эдвардсу. Почему так конкретно я его выделил? Ну, во-первых, довольно-таки многие его хвалят, во-вторых, мне и самому дебютник 16 Horsepower показался очень хорошим. Самое запоминающееся в нём — аккордеон, не каждый день такое услышишь, пусть и в фолк- или кантри-музыке. Был приятно удивлён.
Что-то затянулась прелюдия, перейдём-ка мы непосредственно к делу.
Воооот, таким я примерно себе и представляю авант-фолк, хоть и слушал из этого жанра альбомов, раз-два обчёлся. Вроде как и акустические гитары, и бас такой у мужика хороший, но при этом чувствуется, что музыка небанальна, не боится группа заигрывать с экспериментами, что очень хорошо и идёт только на пользу. Здесь тебе и бодрые песенки ("White Bird") и совершенно ни на что не похожий... ммм, обзовём это саундскейпом вроде "Snake Bite" (очень, кстати, смахивает на нойз-рок или Lo-fi). Очень мощная вышла закрывашка — "Story and Pictures", правильно когда в конец помещают едва ли не лучшую песню, она тогда кажется короной альбома.
И да, не могу не отметить — хорошо Эдвардс поёт, его музыке вокал подходит идеально.
Однако есть одно у альбома свойство, оно не то чтобы плохо, но... Очень под настроение музыка. Альбом получился "атсмосферным" — какой-то действительно готический, мрачный и грустный, но это не "светлая" грусть, а другая — "тёмная". Разумеется, любая музыка хороша под своё настроение, но тут один из тех случаев, когда лучше всего настроения и альбома, и слушателя находятся либо на одной волне, либо очень близки по волнам. В другое время, он может не зайти. Мне повезло, мне альбом понравился с первого раза. Интересно, вкусно и красиво, творчеством Wovenhand заинтересовался, как и всем творчеством Эдвардса.
P.S. Мне кажется или женский голос в начале "Animalitos (Ain't No Sunshine)" — чистая русская речь? Переслушал, точно — оно.
облако тэгов
