Лето заканчивается, но на его исходе оно принесло нам маленькую дополнительную радость

На экраны страны выходит продолжение нашумевшей комедии Никиты Михалкова “Утомленные Солнцем 2: Предстояние”, гордо озаглавленное “Цитадель”.

Летящий комар изображает метафизику войны. Напившийся генерал, наплевав на логику, отправляет штрафбат в самоубийственную атаку. Растерявшийся комбат идет спрашивать совета у Котова, но тот занят – определив по запаху, что его старый знакомый Митя уже близко, он в панике сам ведет войска на штурм Цитадели. У вас есть какие-то вопросы? А ведь заметьте, я почти ничего не добавил от себя, это — всего лишь краткий пересказ первого получаса нового фильма Никиты Сергеевича.

Самое обидное, что с технической стороны все выглядит неплохо – хорошая операторская работа, декорации, взрывы и огромные массовки. Но само наполнение не соответствует форме. С художественной точки зрения уже сама идея о возращении погибших персонажей была мертва в зародыше, потому что этим, Михалков перечеркнул идею, мораль и заодно финал первой картины.

Вся сцена в доме комдива является квинтэссенцией вопроса “зачем это снято?”. Например, молодому поколению, не смотревшим первую часть трилогии будет непонятно, почему же этот эпизод такой важный. Если же Михалков рассчитывал вызвать ностальгию у поколения старшего, то такую возможность на корню убило то, что часть старых ролей играют другие актеры. Из-за этого атмосфера непринужденности, царящая в доме комдива в первой части безнадежно теряется. Герои здесь напоминают клоунов, которые остались в цирке, несмотря на то, что он сгорел. На зрителя смотрят усталые лица, пытающиеся изобразить былой задор, но не получается – и от картины сразу начинает веять какой-то натянутостью и постановочной театральностью. Кульминацией этого грустного эпизода является попытка Виктории Толстогановой “щелкнуть” так же, как это делала Ингеборга Дапкунайте в первой части. Да вот только нет уже той легкости – все искусственно, все натянуто. Эти сцены наводят тоску, но не ту, на которую рассчитывал автор. Лишь появляется желание снова посмотреть первую часть, потому что жалеть персонажей не хочется – все равно они не настоящие.

Пожалуй, самое печальное в этой ситуации то, что эпизоды в доме комдива – единственное, на что можно смотреть в “Цитадели” без саркастической улыбки. Начало фильма продолжает серию баек, рассказанных Михалковым в “Предстоянии”, а то, что происходит после – вообще не поддается разумному описанию. Потому что дальше идет кульминация всей сказки, начавшейся еще во второй серии. Судя по последним минутам “Утомленных солнцем 1”, Митя думал, что уничтожил идеальную жизнь комдива, и сломал его как человека. Но он просчитался. Как показало нам “Предстояние”, и теперь доказала “Цитадель” — Котов, на проверку оказался не человеком, а терминатором, которого невозможно не ранить, не убить.

Уворачиваясь от пуль и взрывов, и наконец-то добравшись, домой, наш герой узнает, что время упущено, и он, расстроенный, устраивает показательный сеанс кунг-фу, трем личностям непонятной национальности. Затем он демонстрирует настоящий мастер-класс молодому поколению, присоединяясь к празднованию какой-то свадьбы, и целуя незнакомую ему девушку. Тут экран темнеет, и, видимо, фильм должен был бы закончиться, но Михалков безжалостно отвергает эту обходную дорогу, созданную им самим. Феерия продолжается — доказывая свою неуязвимость и демонстрируя настоящий порыв русской души, комдив плюет на команды начальства, берет в руки черенок от лопаты и идет в лоб на Цитадель. Вдохновившись своим командиром, за ним следуют все офицеры и солдаты, а дальше подтягивается и простой люд. Пророк Моисей, ведущий людей через море, тихо плачет и завидует Котову – такой силы убеждения не было даже у него.

И пока наш комдив спасает где-то мир, все остальные герои мучаются, не зная как уж себя занять. Олег Меньшиков ходит из стороны в сторону, кричит, моется, работает психологом, пытается изнасиловать Викторию Толстоганову, и наконец, утомившись, со скучающим видом ложится на фортепиано, не понимая — что же ему еще поделать в этом фильме. Надежда Михалкова, видимо контуженная после стриптиза из финала второй серии, теперь молчит, но так как она по-прежнему дочь своего отца, то ее героиня снова избегает ранений, взрывов и вражеских атак. Так же, благодаря своей божьей силе, она спасает грузовик с ребенком – тот остается совершенно нетронутым посреди немецкой бомбежки. Все остальные актеры в фильме играют роль статистов, которые обязаны подчеркивать профессионализм и героизм этих трех человек, и в особенности Никиты Михалкова.

Если вас интересуют вопросы в духе “почему ” и “зачем”, то не ждите на них простых ответов. Все намного, намного сложнее. Завесу тайны над личностью Котова мог бы приоткрыть Иосиф Виссарионович Сталин, дав какие-то объяснения, но он, будто герой шпионского боевика, хитро прищурившись, предпочитает отвечать на такие вопросы “потому” и “затем”, заставляя зрителя и Котова мучиться неизвестностью.

Если бы фильм остался без послесловия, то такой финал можно было бы посчитать счастливым – это было бы достойное и реалистичное завершение сказки о похождениях настоящего героя и мачо в лице комдива Котова. Но Михалков не жалеет зрителя, и своим поскриптумом убивает последние сомнения в том, что он – супермен. Финальные минуты фильма вполне могут послужить началом новой трилогии, и это будет даже логично, ведь хорошей истории много не бывает. Впереди маячит оккупированная дорога и Берлин, а там глядишь, Котов и до Гитлера уже доберется. Благо, теперь ведь все мы знаем – кто настоящий герой этой войны.

P.S. Этот фильм обязательно стоит посмотреть, хотя бы ради того, чтобы узнать — как Михалков разобрался с Цитаделью. (А он разобрался, не сомневайтесь).

Вряд ли, боксируя примерно три тысячи лет назад до нашей эры, некие шумеры догадывались, чем станет бокс на сегодняшний день. Этот вид спорта превратился не просто в культурную пропаганду насилию, но в один из самых дорогих, опасных и сложных видов спорта в мире.

Недостатком практически всех фильмов о боксе стала потребность выразить схожие вещи, поскольку эти фильмы в какой-то степени, пропагандировали одни и те же ценности и идеалы – силу духа, веру в себя, в победу. А история в двух случаях их трех заканчивалась победой героя, которой он достиг, опираясь на семью, любовь, идеалы, или сразу на все вместе. Эти вещи практически заковали историю боксера в рамки одного жанра – драмы. И хотя с одной стороны понятно, почему сложно делать из “бойцовских историй” другой жанр – все те вещи, о которых говорят эти фильмы, достаточно серьезны, и чаще всего это проблемы, с которыми мы можем столкнуться в повседневной жизни, а не только в спорте. Но с другой стороны, этот факт не дает жанру развития. Были некоторые попытки – такие как “Млечный Путь” или “Малышка на миллион”, но они не смогли сдвинуть представления зрителя о таких историях.

Тенденция продолжается, что и доказывает вышедший на экраны фильм Дэвида Рассела “Боец”. Первым ударом для зрителя оказался сценарий, который, не мудрствуя лукаво, в очередной раз прибирает к рукам все стандартные моральные установки, плюс часть сюжетных ходов ‘Рокки”, умудряясь, правда, преподнести зрителю какие-то отдельные оригинальные моменты. Основная завязка сюжета такова – Мики Уорд (Марк Уолберг), молодой и достаточно перспективный боксер, таится в тени старшего брата, бывшей “звезды” ринга, а ныне наркомана — Дики Эклунда (Кристиан Бэйл). Параллельно он пытается начать свою сольную карьеру, и устроить личную жизнь с местной девушкой из бара (Эми Адамс), чему рьяно мешает его семья в лице мамы (Мелисса Лео) и множества сестер, заставляющих вспомнить скотный двор с его толпой куриц. Помочь же ему, помимо девушки, пытается его отец и местный шериф, до поры до времени ударяющиеся о безвольность Мики перед желаниями остальной части семьи.

История возвышения Уорда не просто банальна, но еще и затянута, чего режиссер Дэвид Рассел даже не пытается скрыть. Он, почти как сам Мики, безмолвно плывет по течению, и лишь иногда “просыпаясь”, разбавляет повествование различными приемами, миксуя кадры “под документальное кино” с обычным стилем съемки, да заигрывая иногда со светом. Но то, что неплохо смотрится в первый раз, на десятый, уже не впечатляет.

Сам персонаж Уолберга вызывает ассоциации с ягненком, который слова не может сказать без поддержки своей семьи или подружки. Причем это впечатление держится до конца фильма, хотя по идее к финалу он должен был стать самостоятельным человеком – бойцом на ринге и в жизни. Или не должен был? Нет, фильм же все-таки называется “Боец”. Стоп, а кто тогда должен? — Дики, в исполнении Кристиана Бэйла? Так не он же главный герой, а его брат. Или нет? Так, а про кого собственно фильм?

Благодаря сценарию, легко погрязнуть в таких вопросах – история фокусируется то на Мики и его неудачах, то опять возвращается к Дики, то наоборот. По идее они оба в какой-то степени преодолевают преграды, чтобы стать лучше, но парадокс в том, что это только по идее. В реализации пересилить себя получается, как ни странно, у Дики, в то время как Мики до конца фильма остается ведомым, а не ведущим.

Из-за такого отношения к истории, множество интересных линий остаются лишь незавершенными штрихами – отношения Дики с сыном, с друзьями-наркоманами, подсознательное соперничество Мики с братом ради одобрения матери. Все это здесь не развивается, а только подразумевается, одной-двумя сценами. Но такие вещи бы усложнили постановку, и потребовали от режиссера каких-то усилий, а парень и так явно переработал.

Таким образом, продолжая опираться на свою сюжетную канву, ближе к финалу, фильм настолько погрязает в классических клише, что зритель может вперед текста пересказать последние несколько диалогов. Предшествующей кульминации сцена, в которой герои общаются фразами в стиле “Ты мой брат, брат!”, является квинтэссенцией штампа в ветке отношений между братьями.

Все действительно светлые моменты истории обычно связаны с судьбой, Дики, и людей, окружающих его младшего брата. То количество упрямства Мики, с которым сталкиваются любящие его люди, заставить взвыть не только волка, но и любого зрителя. Зато благодаря этому можно откровенно сказать, что эффект фильм производит. Только вот добивались ли создатели того, чтобы у человека в кинотеатре возникло стойкое желание дать Уорду подзатыльник и пожелать ему “перестать быть мямлей” – сложный вопрос.

На фоне своего брата, герой Дики не только быстрее перебарывает свои недостатки, но и быстрее, чем Мики, осознает, что пуповину семьи нужно перерезать вовремя. Во многом это заслуга Кристиана Бэйла, который, будто бросая вызов всем кинонаркоманам, закатывает глаза и беззастенчиво курит крэк, моментально заставляя поверить в своего персонажа. Но если Бэйл является светлой стороной лица фильма, то Уолберг определенно является ее фингалом.

Еще Флинн Райдер из мультфильма “Рапунцель” познал тот факт, что выражение лица “бровки домиком” не спасет его от удара сковородой. Примерно в такую же ситуацию попадает и Марк Уолберг. Будто это и не он играл неудачливого полицейского (Копы в глубоком запасе) или отчаявшегося отца (Милые Кости) – насколько органично Уолберг смотрелся в этих ролях, настолько у него не получается роль Мики Уорда. С одной стороны понятно, почему именно Уолберга пригласили на роль – показать “морду кирпичом”, характеризующую закоренелого боксера, ему удалось, но совершенно иная ситуация разворачивается вне ринга, в тот момент, когда нужно не смотреться в роли, а играть ее. Уолберг конечно пытается это сделать – мы прекрасно видим все те мучения на его лице, которые характеризуют собой какие-то эмоции. Он будто ментально пытается крикнуть “Смотрите! Я могу! Могу!”. Но такие невероятные старания актера вызывают лишь желание похлопать его по плечу со словами в духе матери Мики “Ну конечно можешь, мой маленький”. В фильме есть момент, когда Микки, после того, как защитить честь Шарлин, стоит и смотрит на нее. В эту минуту камера, будто случайно, ловит лицо Уолберга, который профессионально играет настоящего боксера — показывая зрителю пустое лицо без сложных эмоций. Действительно, какие тут переживания, когда ты только что мужественно ударил парня о стойку бара.

Зато по-настоящему неплохую работу проделали актеры второго плана, что справедливо отметили многие кинолюбители. В номинации “за роль второго плана’ фильм собрал больше всего наград на разных церемониях. Кристиану Бэйлу достался заслуженный “Оскар”, Мелисе Лео одновременно и “Оскар” и “Золотой Глобус”, а Эми Адамс получила награду Британской Киноакадемии. Плохо то, что глядя на хорошую работу этих актеров, хочется требовать того же и от исполнителя главной роли.

Казалось бы, что количество негативных сторон уже перевешивает, и можно было бы остановиться, но нет — наши, абсолютно безжалостные, локализаторы добивают фильм подлым ударом в челюсть. Финальным штрихом, отправляющим этого бойца на покой, является превосходный отечественный дубляж, от которого может возникнуть непреодолимое желание засунуть себе палки в уши – благо, это будет намного гуманнее.

Увы, но “Боец” не только не смог вырваться из цепей, захвативших боксерские фильмы, но даже проиграл свой бой. Правда, нельзя сказать, что он не попытался – некоторые сюжетные особенности действительно содержали в себе определенный потенциал. Просто вина создателей в том, что развивать они этот потенциал не стали, пустив историю по стандартной ветке. Поэтому мне кажется, что возможно, для того чтобы прорвать эту жанровую блокаду, нужен более сильный удар, от которого будет не так-то просто оправиться. Нужен некий фильм, который бросил бы вызов застоявшимся понятиям. Возможно, он вышел бы на ринг, переступив через тело предыдущего “Бойца”, лежащего всего в кровоподтеках, со съехавшей набекрень каппой, под свет софитов и крик толпы. Вышел бы, и нанес тот беспощадный удар, от которого бы сломались рамки, и зажглись огнем борьбы зрительские глаза.

Жанр: драма, биография

Режиссер: Ричард Аттенборо

Автор сценария: Дэвид Робинсон, Чарльз Чаплин, Диана Хоукинс и др.

В главных ролях: Роберт Дауни-мл, Джералдин Чаплин, Пол Рис, Джон То, Мойра Келли, Энтони Хопкинс, Дэн Эйкройд, Мариса Томей, Пенелопа Энн Миллер, Кевин Клайн, Милла Йовович, Дэвид Духовны и др.

Длительность: 144 мин.

Бюджет: 31 миллион долларов

Страна: США, Франция, Великобритания, Италия

Год: 1992

Пронзительный взгляд, широкие, клоунские штаны, черный котелок, трость, усики и походка “Уточкой” – отдельные компоненты, подарившие миру один из лучших актерских образов на все времена. Невероятная харизма, сила духа и дотошность в деталях – компоненты, подарившие миру одного из самых смелых режиссеров своего времени, не боящегося затрагивать социальные и политические темы. Признания зрителей, смех и слезы – компоненты, подтвердившие успех этого человека. Уверен, вы все его знаете. Так уж сложились обстоятельства. Возможно, вы запомнили его взгляд, возможно походку. Возможно, вы помните его исключительно по фильмам. Возможно вы знакомы с его биографией. Во всяком случае, если это не так, или если это не совсем так – тот вот то, с чего бы стоило начать такой диалог: Дамы и господа, я рад представить вам одного из самых известнейших людей на планете Земля.

Знакомьтесь – Чарли.

На самом деле разбор такого фильма никак не мог обойтись без некого рода исторической справки, упоминания биографии, и личного мнения о фигуре Чарли Чаплина. Просто потому, что по-другому, наверное, быть и не должно. В данном случае нельзя “опустить” эти факты, нельзя их игнорировать, ведь именно они, в довольно серьезной степени могут повлиять на ваше отношение к фильму. Первый факт – элемент биографии, нужен для того, чтобы лучше ориентироваться в событиях фильма. Кино предполагает, что зритель, хотя бы в целом представляет кто такой Чарли Чаплин, и как, собственно, складывалась его карьера и жизнь. Без этого можно обойтись – но тогда и впечатление будет несколько смазанным и отрывочным. Собственно поэтому, это и выглядит, как некая историческая справка. Я не сомневаюсь, что все читатели так или иначе наслышаны о Чаплине, возможно знакомы с его биографией, и уж наверняка, видели его работы. Но как можно справедливо отметить – возможно, какие-то детали знают не все, и это просто было бы полезно, ведь никто не обязан знать этого, в конце-то концов.

Все дело в том, что я не хочу пускаться в описание биографии Чарли Чаплина, со множеством дат – благо, на это есть Википедия. Упомяну только несколько фактов:

Первое, и немаловажный факт — сам фильм, отчасти, базируется на мемуарах самого Чарли. Второе — это, собственно, биография. Чаплин рос в семье эстрадных артистов, довольно бедных, так как их слава на момент рождения ребенка угасла. Чаплин рос с матерью и братом – отец их спился и умер. Первое выступление актера произошло в возрасте пяти лет, ребенок сорвал овации. В 1913 году Чаплина замечает, и берет на работу режиссер Мак Сеннет, работающий в студии Keystone. Так началась карьера Чарли в кино. Естественно, свой образ он нашел не сразу, но с течением времени он создал и прославил “Маленького Бродягу”, а затем перерос своего начальника и пустился в вольное плавание. Его слава росла, а фильмы становились все длиннее, и проработаннее, особенно после того, как он сам стал режиссировать их. Время шло, и в его историях появлялся все более серьезный социальный, а затем и политический контекст. За свое самоуправство он поплатился – ФБР, которые долго пытались вытурить Чаплина, в конце-концов нашли причину, для того выслать его из страны. Благодаря несчастливой случайности, Чаплин, рекламируя свой фильм “Огни Рампы”, уехал в Европу, где и получил уведомление о запрете на обратный въезд в США. Чаплин переехал в Швейцарию, где работал еще некоторое время, а затем написал свою биографию. У Чаплина было 4 жены и 12 детей.

Что же касается второго аспекта – личного мнения, то тут его просто физически мне не удастся обойти стороной. В фильме не то чтобы идет неоднозначная трактовка фигуры Чаплина – скорее просто рассказ, но, допустим, если вам нравятся фильмы Чаплина – у вас будут одни впечатления, а если вы ими не интересуетесь – то эффект фильма будет слабее.

Нельзя переоценить заслуги Чарли Чаплина, ведь помимо того, что он реализовал свой талант как актер и режиссер, он действительно продвинул кино на некий новый уровень – причем не только жанр комедии, но и кино в целом. Конечно, он был не один. Время работы Чаплина в кино – это вообще революционное время в американском кинематографе. До 1913 Жорж Мельес еще экспериментирует с декорациями и образами. В 1916 году Дэвид Гриффит снимает революционную “Нетерпимость”. Появляются работы Китона и Ллойда, также продвигающие жанр комедии. Но по сравнению с последними двумя, работы Чаплина были отличительны тем, что он умело тасовал драму и комедию, мастерски играя на чувствах зрителях. И каждая шутка, каждый жест, были много раз отработаны до полного автоматизма. По-другому, он и не делал.

Возвращаясь, наконец, к фильму, можно сразу отметить первую сцену, которая уже закладывает некий определенный тон картины. Чарльз смывает свой макияж в гримерной, размазывая черную тушь по щекам, будто слезы, и черно-белое изображение плавно перетекает в цветное, погружая зрителя в атмосферу фильма.

Дальше история возвращается на несколько лет назад, и мы постепенно узнаем, как Чарли первый раз вышел на сцену, как нашел свою первую работу, и с каждым эпизодом становится видна разница, между его героем на экране, и человеком за кадром. Следуя хронологическому порядку, все новые эпизоды, будто вспышки, выхватывают моменты из жизни актера, показывая его, то с одной, то с другой стороны. И снова повторяется игра на контрасте, но уже в другом плане – мы видим, насколько изменяется человек с течением времени, храня, тем не менее, какие-то черты, оставшиеся еще с молодости. Сама разница между молодыми годами и старостью Чаплина, показана действительно хорошо. Не в плане возраста, отнюдь. А именно с точки зрения личности, изменения взглядов, количества падений и удач.

В истории обыграны одни из наиболее известных моментов жизни Чаплина – например его увлеченность своей работой, или женщины, которых он любил. В фильме так же затронута тема отношений Чаплина со звездами того времени – например Мэри Пикфорд. Но почему то в фильме, нет не Гриффита, ни, что более важно — Бастера Китона, с которым работал Чаплин в поздние годы. Понятно, что фильм об одном человеке в конечном-то итоге, но если уж затрагивать всю жизнь артиста, то следовало бы добавить и таких людей в сценарий.

С другой стороны, интересно показаны эпизоды, которые известны меньше – например последние годы Чаплина в Шотландии, или его отношения с матерью. Но здесь опять же, появляется минус – некоторые истории слишком ужимают во времени. Например, момент, связанный с поиском образа “Маленького Бродяги” ужат до одной сцены, пускай и показанной не без иронии. Но что действительно прекрасно – так это сцены съемок. Если такая же атмосфера царила и в действительности – я не буду удивлен, потому что снято это очень живо и правдоподобно.

Однако у фильма есть одна большая проблема, и заключается она, как ни странно, в его хронометраже. Несмотря на то, что кино идет без малого, почти два с половиной часа, остается ощущение некой разрозненности. Создателям не удалось собрать отдельные эпизоды в историю целой жизни – возможно, они не ставили себе такой цели, но поскольку фильм охватывает почти всю жизнь Чаплина, то такое требование возникает само собой. Пускай некоторые эпизоды показаны и рассказаны просто отлично, но составить целую картину, в итоге, не получается.

Но возвращаясь к положительным сторонам фильма, стоит, конечно, упомянуть кастинг. И дело даже не в громких именах, а вообще во всем ансамбле. Из известных на сегодняшний день имен дольше всех на экране пребывает Дэн Эйкройд. Милле Йовович и Дэвиду Духовны уделено минут 10-15, а роль Энтони Хопкинса по сути своей является “функцией” – проще говоря, благодаря его персонажу, к слову, единственному выдуманному, Чаплин и рассказывает историю своей жизни. Поэтому я не скажу, что хороши были вообще все, но никакого дискомфорта игра актеров не вызывала. Кстати говоря, интересный парадокс: роль матери Чаплина исполнила Джеральдина Чаплин – дочь настоящего Чарли и Уны О`Нейл.

Однако же, отдельной строкой, разумеется, стоит говорить о Роберте Дауни младшем. Честно говоря, до просмотра фильма, выбор его на роль Чаплина меня смутил. Я вообще не видел его в роли Чарли. Но благодаря фильму, мне пришлось приятно разочароваться – несмотря на то, что на Чаплина, Дауни похож, не очень, да и разница в образе “Маленького Бродяги” между героем фильма, и героем на экране внешне заметна – так вот, несмотря на все это, Роберту роль удалась. Он прекрасно показал не только чувства и противоречия Чаплина, и по большому счету сыграл фактически целую жизнь человека, но помимо этого, он прекрасно передал мимику и манеру игры Чаплина. Поэтому все мои сомнения на счет актера развеялись очень быстро. А данный этап немаловажен, поскольку именно на Дауни и держится большая часть всей истории.

В итоге следует сказать, что фильм будет интересен всем, поскольку знатоки жизни Чаплина найдут в нем множество интересных моментов и событий из жизни актера, плюс к этому снова увидят моменты из оригинальных фильмов Чарли, а всем остальным просто будет интересно взглянуть на байопик, рассказывающий об одном из известнейших актеров мира. Но дело в том, что даже несмотря на интересную трактовку и исполнение – фильм все равно не смог уместить историю одной личности в уготованное количество данного времени. Но это, вероятно, просто невозможно.

Вы все его знаете. Вы все его видели. Вы все смеялись и плакали. И дело даже не в том, что все вы слышали об этом парне – все дело в фильмах. Так уж сложилась у него жизнь, и кино фактически стало этой жизнью. По эту сторону экрана – смех и слезы. По ту – то же самое, но уже намного реальнее. Смех чувственнее, а удары больнее. Но несмотря на это, вы все равно смеялись над его фильмами. Он знал, за что вас можно зацепить. Потому что это было близко вам, потому что это трогало. И именно после этих фильмов, уже не получается называть его громогласным “Чаплин”. Зачем? Это и так все могут. Как говорил он сам – “Если зрители хотят узнать меня – пусть смотря мои фильмы”. И если вы узнаете его, если поймете его точку зрения — то для вас, для миллионов зрителей, он навсегда запомнится как один из лучших и известнейших актеров Земли. Но даже несмотря на это, звать его, вы все равно будете по имени — “Чарли”.

Ни для кого не секрет, что вампирская тематика очень популярна на сегодняшний день. Даже в книжных магазинах можно купить трактаты наподобие “Сумерки и философия” или поставить Эдварда на аватарку. Но одно дело – нормальная, чуть мрачноватая и интересная история о вампирах, и совершенно другое – сопливая сказка в Розовых тонах. Нет, такой вариант тоже имеет право на жизнь, но другое дело, что художественное наследие Стефании Майер бросило огромную тень на весь остальной вампирский архив. Не исключено, что теперь, пересмотрев “Блэйда”, мальчики пустят суровую мужскую слезу, а девочки назовут героя Снайпса “такииим пусечкой”. Этот яд, имя которому – бабло, достиг и жил наших прокатчиков, дальновидно влепившим фильму “Впусти меня” отвратное гордое добавление “Сага”. Причем тут “Сага”? Не причем. Фанаты “Сумерек” клюнут? Еще бы.

Однако, если кто-то из фанатов творчества (?) Майер окажется на сеансе “Впусти меня”, он впадет в недоумение, а затем в легкую панику, переходящую в истерику. Ведь здесь же:

1) Нет Эдварда

2) Нет Джейкоба

3) Вампир – маленькая девочка, которая не просто и элегантно выпивает из жертв кровь, а высасывает ее аки зверь.

4) Есть драма. Пускай не особо навороченная, но психологическая сторона вопроса может оказаться для наивного фаната неожиданной.

Помимо этих прелестных пунктов, кино так и сквозит “холодом”. Повсюду снег, фонари светят тускло, за экраном играет невеселая мелодия, а день уныл и сер. Атмосфера прекрасная.

Нет ничего удивительного в том, что эта история – история одиночества в одном городе. В городе, который кажется вымершим и пустым.

На самом деле не очень понятно, зачем Мэтт Ривз взялся за постановку ремейка фильма, оригинал которого вышел буквально два года назад. Видимо по душе ему пришлась такая история, и решил он ее пересказать по-своему. Пускай, никто же не запрещает. И сразу оговорюсь, что оригинал я не смотрел.

С самого начала нас резко бросают в водоворот событий. На экране что-то происходит, кого-то куда-то везут, кто-то умирает, а зритель в этот момент мысленно чешет голову и восклицает глубокомысленное “эээ…”. И когда начальная сцена подходит к своему концу, экран темнеет, и голос за кадром вещает “Двумя неделями ранее’, зритель выдает понимающее “ааа….”. Отсюда сразу же возникает первый контраст – после резкого и непонятного вступления, фильм жмет на тормоза и повествование замедляется, неторопливо знакомя нас с главными героями. Оуэн – двенадцатилетний мальчик, живущий со своей мамой. Мама собирается развестись с папой, да все никак не разведется. Она любит звать его к ужину и читать молитвы перед едой. Оуэн увлекается тем, что тыкает в деревья ножом, приговаривая “сдохни девчонка”, да подглядывает за соседями в телескоп. В школе его бьет банда плохих парней, во главе с мальчиком, похожим на Перси Джексона. Но однажды вечером, сидя на площадке, он знакомится с новой соседкой Эбби, которая ходит босиком по снегу, и, по мнению Оуэна “очень странно пахнет”.

Поскольку сюжет пересказывать бессмысленно, ограничусь лишь небольшими соображениями. Рассказ – не просто история об одиночестве детей, но и о одиночестве в принципе, о причинах, побуждающих людей идти на издевательство или убийство. Основная сюжетная линия сосредоточена на Оуэне и Эбби, но благодаря второстепенным событиям, Ривз дает ответы на вопросы, возникающие при просмотре. С помощью второстепенных героев он демонстрирует причины жестокости парней в школе, благодаря семейной парочке объясняет – может ли человек не умереть, а превратиться в вампира, и почему, собственно, кровососы боятся света. Только один раз Ривз использует Оуэна и Эбби — для того чтобы поддержать миф о невозможности вампира зайти в чужой дом без приглашения.

Вообще сама ветка главных героев достаточно проста, и предсказать развитие событий нетрудно. Плюс мысль “Готовы ли вы принять монстра в родном человеке”, увы, не блещет оригинальностью. Однако такая история становится интересной, если ее разыгрывают дети. Ведь одно из самых опасных действий родителя – это отсутствия внимания к чаду. Все невысказанные слова копятся, пока, наконец, не вырываются в форме злости, одержимости или еще чего похуже. Если убрать всю фантастическую сторону фильма, то кино окажется драмой, рассказывающей об отсутствии внимания, и о цене дружбы-любви. Такая психологическая драма. Только здесь она приправлена мистикой. И этот факт изначально не очень радует, ведь уже неоднократно выпускали фильмы, где тема детского одиночества обыгрывалась в сказочных и фэнтезийных тонах. Примером может служить “Мост в Террабитию’, или прошлогодний “Там где живут чудовища”. Но оттенок, именно вампиризма, придает этой истории некий нехарактерный, для драмы, контраст.

Главные герои получились интересные и живые. В их отношения веришь, и где-то даже сопереживаешь. Немного снисходительно-одобряюще наблюдаешь за неловкими попытками Оуэна подружиться с Эбби, за его свиданиями и предложениями встречаться. Кто-то сказал, что количество крови в оригинале окупал взгляд невинных детских глаз, а в ремейке, увы, такого нет. С этим я не согласен. Глаза у актеров очень живые, и каждые их объятия выглядят не пошло-смешно, а искренне-мило. И в какой-то момент, моральный маятник сдвигается в сторону Оуэна и Эбби, а зртель, повторяя действия героя, просто опускает все то, что творит Эбби. Тот факт, что в финале

В самом же сюжете присутствуют и минусы. Не знаю, виноват ли тут сценарий или первоисточник, но полицейского

Главный дуэт актеров справился с ролями прекрасно. Смит-Макфи весьма убедительно отыгрывает зажатого, одинокого и бледного мальчика. Ну а Хлоя Моретц, так же как и в “Пипце”, просто шикарно переключается с милых лиц на поведение настоящего монстра. А уж дуэтом они смотрятся, как я уже упоминал, весьма убедительно и живо.

Однако про других актеров много лестного сказать нельзя. Не потому что они плохо смотрятся, вовсе нет. Они то играют, но просто ничего особенного из их игры извлечь нельзя. Прошло и ушло. Не тепло не холодно. Плюс на них экранного времени уделено много меньше, нежели на главных героев.

Эта история могла бы потерять много из-за одного барьера – рейтинга, который тут, к счастью, справедливо выбивается из рамок детской байки. И дело даже не в том, что когда с экрана льется кровь – это хорошо, а если создатели злоупотребляют матом или обнаженкой — это круто,нет. Просто без этого, история бы потеряла чудовищную долю атмосферу и шарма. Ведь когда маленькая девочка, стоя по уши в крови, обнимает мальчика – это цепляет и чем-то даже завораживает.

Не очень хорошо то, что рейтинг используется для закоса под ужастик. Ну не нужны здесь зловещая музыка и резкие выпрыги с места – не про то кино. Ладно хоть, что таких моментов всего несколько — они не очень удачны, да сняты типично для ужастика. И это минус, ведь в остальном снято все довольно интересно. Долгие планы переключаются на быстрый монтаж, ракурсы съёмки меняются в разных направлениях. К примеру, чтобы показать пропасть между мальчиком и родителями – нам постоянно скрывают лицо мамы, то за волосами, то любым другим способом. Отца же мы только услышим, но не увидим. Довольно интересно сняты сцены под водой, и сцена [/spoiler]аварии[/spoiler]. Один из минусов съемки — в начале фильма камеру трясет, будто в "Монстро", но слава богу, это быстро проходит и кадр перестает шататься.

Вот так, в общем то и все – фильм, несмотря на некоторые недочеты, понравился. Он не идеален, но хорош. С точки зрения сюжета здесь есть психологизм, интересные главные герои, необычный взгляд на вампирскую тематику. С технической точки зрения здесь присутствуют интересные визуальные решения и разнообразные методы съемки.

Оригинал смотреть я не буду, и не, потому что принципы, а просто для того, чтобы не портить впечатления от ремейка. Благо они хорошие.

P.s. Если вы увидите выбегающего из дверей человека – не удивляйтесь, это вероятно один из фанатов “Сумерек”, и он просто посмотрел на обратную сторону вампиризма.